Berømte kjoler i maleri, hvorved man kan bedømme, hvad æraens mode var

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Fra tidernes morgen har kunst og mode påvirket hinanden og tvunget kritikere og fashionistas til nøje at følge nye tendenser, der hurtigt erstatter hinanden. Og mens nogle vurderede billedet med hensyn til tekniske egenskaber, løb andre hen til skrædderne for hurtigt at få en kjole præcis som heltindernes afbildede på lærrederne.

1. Renæssance

Renæssancen var en tid med kulturel og kunstnerisk genoplivning, da klassicismen gjorde en revolutionær tilbagevenden til europæiske samfund. Denne periode oplevede imidlertid også betydelige ændringer i mode. Se hvordan berømte kjoler i malerier påvirkede mode under renæssancen.

"Portræt af Arnolfini -parret" af Jan van Eyck er et af hovedelementerne i studiet af stof i portrætmaleri. Kvindens smaragdgrønne uldbeklædning og ærmelange foret ærmer viser familiestatus, da kun de velhavende havde råd til denne slags stof. Uld, silke, fløjl og pels var sjældne og dyrere at producere end bomuld eller linned og var et symbol på status og rigdom. Et af de mest kontroversielle spørgsmål omkring maleriet er, om den afbildede kvinde (formodentlig Arnolfinis kone) er gravid. Renæssanceskørter var så frodige og tunge, at kvinder løftede dem op for at gøre det lettere at flytte.

De tilføjede kurvede folder på kjolen viser også en tendens til at skildre kvinder med en udtalt mave, da den antydede at undfange børn under ægteskabet. Et andet eksempel på dette er Les Très Riches Heures du Duc de Berry af Limburg -brødrene. I begge billeder er kvinder afbildet med mere afrundede maver. The Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry skildrer et bryllup, og det kan sammenlignes med portrættet af Arnolfini, da begge kvinder projicerer et billede af moderskab i forventning om graviditet. Uden at se på maleriet fra et moderne perspektiv, kan man se det som en optegnelse over, hvad kvinderne havde på, og hvad der var vigtigt for folk at vise for andre.

2. Barok- og rokoko -perioden

Barok- og rokoko -perioderne er præget af udsøgt indretning, dekadence og legende. Disse tendenser manifesterede sig ikke kun i kunst, men også i mode gennem indviklede ornamenter og luksuriøse kjoler. Tag et kig på nogle af de berømte kunstinspirerede kjoler.

En ukendt kunstners opmærksomhed på detaljer og påklædning er det, der gør Elizabeth Clark Frick (fru John Frick) og Little Mary til en vigtig optegnelse over New England puritaner. I dette look bærer Elizabeth fine amerikanske stoffer og tilbehør fra 1600 -tallet. Hendes hvide blondekrave angiver den populære europæiske blonder, der findes blandt aristokratiske kvinder. En guldbroderet fløjlsundring er synlig under hendes kjole, og bånd pryder ærmerne. En kvinde har også smykker: en perlekæde, en guldring og et granatarmbånd, som igen taler om status og velstand. Dette maleri giver et unikt perspektiv på Elizabeths og hendes families puritanske liv.

Det er også værd at bemærke det faktum, at kunstneren mesterligt formåede at blande billeder af rigdom i beskedne omgivelser. Maleriet viser Elizabeths rigdom tydeligt og fremhæver hendes fineste tøj og smykker. Det afspejler også hendes mands, John Fricks, rigdom, der havde råd til at opfylde sin kones ethvert indfald ved at købe hende forskellige slags tøj og smykker. Derudover symboliserer billedet deres puritanske holdning til taknemmelighed over for Gud, for uden hans velsignelse kunne de ikke have haft en sådan luksus.

The Swing af Jean-Honore Fragonard er et eksempel på rokokostilen i franske aristokratiske kredse. Maleriet blev bestilt privat, da en fransk hofmand bad kunstneren om at male sit eget portræt og hans elskerinde. På trods af at maleriet blev holdt bag lukkede døre, afslører det luksus, useriøsitet og hemmelige karakter af det franske kongshof.

Den pastellrosa kjole skiller sig ud blandt den frodige have og er i centrum for opmærksomheden. Jean malede kjolen med løse penselstrøg, der efterligner de brede nederdele og flæset bodice i hendes kjole. Hans løse børste matcher plottet i denne idylliske havescene fyldt med flirtende og finurlige billeder.

Hans maleri viser også de tendenser, der blev sat i det franske hof for mode. Rokoko transcenderede mode, kunst og arkitektur for at skabe noget unikt fransk. Rokoko-mode omfattede de mest luksuriøse stoffer, herunder pastelfarvede silke, fløjl, blonder og blomstermønstre samt en overdreven mængde sløjfer, perler, dikkedarer og prydudsmykninger for at skabe et look, som hovmænd og gæster ville krølle op på. have deres hoveder. Stil definerede forskellen mellem de fattige og de rige, da aristokratiet havde råd til luksusen i udsøgte stoffer og ornamenter. For kvinder iført disse rokoko-inspirerede outfits er maleriet indbegrebet af det franske kongelige hof før revolutionen.

3. Berømte kjoler i malerierne fra XIX århundrede

Det 19. århundrede oplevede et kunstnerisk skift fra nyklassicisme til tidlig modernisme, hvilket gav plads til stilarter og tankeskoler. Dette århundrede oplevede også en ændring i mode. Læs videre for at se, hvordan malerierne påvirkede fremkomsten af berømte kjoler og stilarter, der var mærkbart mere moderne end før.

Art for Art blev forbundet med Symphony in White No. 1 af James Abbott McNeill Whistler, der havde til hensigt at give maleriet en åndelig betydning. Kritikere så imidlertid ikke alt dette, da maleriet skildrede kunstnerens elskerinde, klædt i en lys hvid kjole. Som et resultat blev dette portræt skandaløst. I løbet af 1800 -tallet omfattede dametøj ofte en crinolin underkjole lavet af stål. Kvinder bar også korsetter blandt en række andre undertøjsgenstande for at kunne skabe bredere nederdele.

"Kvinden i hvidt" er det helt modsatte af det, der dengang var på mode og højt profileret. Kjolen til hovedpersonen afbildet på billedet var en slags undertøj, som enten en mand eller en elsker kunne se, da man troede, at sådanne tøj var meget lette at tage af. For Whistler skulle hans mus være en del af en scene, der var behagelig for øjet. Han skildrede Hiffernan, som han så hende, og for seerne dengang var billedet både forvirrende og lidt uanstændigt. Men med fremkomsten af 1900 blev en sådan kjole normen for daglig brug.

James Tissot skabte mange malerier, der skildrede kvinders mode i slutningen af 1800'erne. Han var foran europæisk mode og er kendt for at male sine motiver med de seneste modetrends i tankerne. Kvindemode begyndte at ændre sig blandt unge damer i Paris og London i slutningen af 1800'erne. De brede og tunge nederdele af deres victorianske forgængere blev erstattet af smallere med hævede læg i ryggen.

I maleriet "Miss Lloyd" er heltinden klædt i en kjole, som den blev båret i samfundet på det tidspunkt, med vægt på den smalle talje og timeglasfiguren. "Portræt af Kathleen Newton" (hans daværende ledsager) er det helt modsatte af billedet af Miss Lloyd. Kunstneren portrætterede en kvinde i en kjole, som om hun udstråler sløvhed og forførelse. Begge kvinder har imidlertid deres egen særlige charme og mystik omkring dem. Selve kjolen symboliserer forskellene i populærkulturen dengang. Det ene billede er traditionelt og konventionelt, mens det andet er ærligt intimt og skandaløst for seerne i 1800 -tallet.

John Singer Sargent skabte billedet af en kvinde, der, selvom det var uacceptabelt for sin tid, blev et af hans mest genkendelige og ærede malerier. Dette er et portræt af Madame Virginie Gautreau, en amerikansk skønhed blandet med det franske højsamfund. Dette forårsagede en sådan skandale, at John selv måtte forlade Paris til London.

Hendes korset er ekstremt spids mod underlivet. En skarp, dyb v-hals og perlerede skulderstropper dækker knap skuldrene og afslører, hvad der blev betragtet som intime dele af en kvinde, upassende til offentlig fremvisning. Efter at Sargent præsenterede maleriet i Paris Salon i 1884, forårsagede det forargelse fra kritikere og tilskuere, fordi det ikke er hensigtsmæssigt for en gift kvinde fra overklassen at være i en sådan provokerende form. Det forekom publikum i salonen, at billedets heltinde var iført undertøj, ikke en kjole. Og Gautreaus ry i folks øjne begyndte at glide til nul, fordi mange betragtede hende som en uanstændig person. Til sidst fjernede Sargent hendes navn fra portrættet og omdøbte det til "Madame X".

4. Berømte kjoler i det tyvende århundredes malerier

Kunst i det tyvende århundrede fokuserede på abstraktion og udtryk og undergik betydelige ændringer med nye stilarter og temaer. Det førte også til udforskning af nye former og synteser af mode og kunst. Her er de berømte kjoler vist på malerier i løbet af det tyvende århundrede.

Adele Bloch-Bauer's gyldne kjole skiller sig ud fra resten af sin tids high-samfundstøj. I stedet for at skildre en kvinde fra overklassen, der slapper af i en have eller læser på en sofa, forvandler Klimt Adele til en anden verden. Hendes kjole er en hvirvlende figur fyldt med trekanter, øjne, rektangler og ikonografi. Der er ingen tegn på lige snøre korsetter eller lag tøj. Moderne indeholder temaer i naturen og mytiske billeder. Det gælder også boheme -mode, som Gustav selv bar og brugte i forskellige andre malerier.

Han malede ofte tegninger skabt af modedesigner Emily Flege. Hun er ikke så kendt i modeverdenen som sine samtidige eller forgængere, men hun klarede sig godt med at skabe mode til kvinderne i sin tid. Til tider var det et samarbejde, da Gustav brugte sine berømte kjoler i mange af sine andre malerier.

Tamara Lempicka skabte portrætter, der udforskede kvindelighed og uafhængighed i 1920'erne. Art Deco -kunstneren blev kendt for sine portrætter af berømtheder, der udforskede den stiliserede og polerede form for kubisme, der blev hendes varemærke. Ira Perrault (en nær ven og sandsynligvis elskerinde for Lempicki) ses som en bogstavelig manifestation af musikken i La Musicienne. Det, der får billedet til at skille sig ud, er dets skildring af en blå kjole. Tamaras hårde teknik til skyggeudkastning med hendes rige farvepalet giver bevægelse til kjolen, så den ser ud til at svæve i luften. Kjolens korte kant og de flydende læg minder stadig om 1920'ernes mode, der var et vendepunkt i kvinders mode. Kvinder bar kjoler, der udsatte deres ben og arme, og plissede nederdele, der gjorde det lettere at danse.

Tamara blev inspireret og studeret af renæssancemestre og brugte lignende temaer med en moderne tilgang. Traditionelt kan blå ses på jomfru Marias kjoler i middelalder- eller renæssancemalerier. Ultramarinblå var sjælden og blev brugt til betydelige malerier.

Farverige og håndlavede mexicanske stoffer er vævet ind i arbejdet med Frida Kahlo. Hun omfavnede disse beklædningsgenstande som en del af hendes arv og bar dem i talrige selvportrætter og fotografier. De berømte kjoler i The Two Fridas symboliserer hendes bånd til begge sider af hendes europæiske og mexicanske arv.

Frida til venstre afspejler hendes opvækst i en over middelklassefamilie. Hendes far var oprindeligt fra Tyskland, og hjemmelivet som barn indeholdt vestlige skikke. Kjolens hvide blonder symboliserer den stil, der er populær på europæisk vis. Denne westerniserede version står i kontrast til den højreorienterede Fridas ønske om at omfavne sin mexicanske arv ved at bære en traditionel kjole. Disse tøj er noget, hendes mand Diego Rivera opmuntrede til, især i deres kamp for at ændre deres land. Kjolen viste hendes stolthed over at bære lokalt og traditionelt tøj fra Mexico.

Kahlos tøj er et vigtigt aspekt af hendes liv og arbejde. Efter at hun som barn fik polio, og det ene ben blev kortere end det andet, blev farverige nederdele en måde for hende at skjule sit ben på en sådan måde, at det beskyttede hende mod undersøgelse. Kunstnerens garderobe omfattede tehuana -kjoler, huipil -bluser, rebozo, blomsterhovedbeklædninger og antikke smykker. Disse tøj til Kahlo er en illustration af hendes kærlighed, smerte og lidelse, som hun inkluderede i sit arbejde.

Om, hvordan kimonoen har ændret sig gennem århundreder og hvilken rolle det har spillet i kunst og moderne mode, læs den næste artikel.