Hvordan malerier af berømte kunstnere blev en del af mode, der formede en ny stil i det tyvende århundrede

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Forbindelserne mellem kunst og mode definerer bestemte øjeblikke i historien. Begge disse medier afspejler sociale, økonomiske og politiske ændringer fra de brølende tyverne til de pulserende firsere. Her er fire eksempler på kunstnere og modedesignere, der gennem deres arbejde var med til at forme et nyt perspektiv på det 20. århundredes kunst og mode.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Venskabet mellem Roy Halston og Andy Warhol definerede den kunstneriske verden. Både Roy og Andy var ledere, der banede vejen for at gøre kunstneren / designeren til en berømthed. De fjernede kunstverdenens prætentiøse stigmatisering og bragte mode og stil til masserne. Warhol brugte silketryk flere gange til at lave billederne. Selvom han bestemt ikke opfandt processen, revolutionerede han ideen om masseproduktion.

Roy brugte stoffer og mønstre, der var enkle og elegante, men alligevel glamourøse med sin brug af pailletter, ultralyd og silke. Han var en af de første til at gøre amerikansk mode tilgængelig og ønskelig. Begge satte deres sidste præg på kunst og stil gennem 1960'erne, 70'erne og 80'erne, som fortsætter den dag i dag.

Både Roy og Andy har arbejdet sammen om mange forskellige projekter. Warhol skabte reklamekampagner, der viste Halstons tøj og endda Halston selv. Til gengæld brugte Halston Warhol blomsterprint i nogle af hans tøjkollektioner, fra aftenkjoler til fritidssæt.

Roy brugte enkle mønstre i sit tøj, hvilket gjorde dem meget vellykkede. De var behagelige at have på, men havde også et strejf af luksus takket være stofferne, farverne og printene. Warhol forenklede også sine materialer og processer. Dette gjorde det lettere at gengive hans værker og gjorde dem mere salgbare.

Kommerciel succes har haft sine egne udfordringer for begge kunstnere. Halston var den første til at samarbejde med detailkæden JCPenney i 1982, og det har påvirket kvaliteten af hans mærke. Warhol blev også mødt med kritik, da hans arbejde blev opfattet som overfladisk. Begge har imidlertid moderniseret deres detail- og marketingbrug i deres respektive rum til at skabe mærker til massemarkedssalg.

Roy og Andy var hyppige besøgende på Studio 54. De arrangerede fester, designede og producerede værker til berømtheder som Liza Minnelli, Bianca Jagger og Elizabeth Taylor. Alt dette afspejles i deres arbejde, da de inspirerede og definerede diskotiden i 1970'erne.

Halston var kendt for at skabe glitrende aftentøj. Roy lagde pailletterne vandret på stoffet og skabte en skinnende effekt af det materiale, han brugte til at skabe luksuriøse outfits elsket af mange glamourøse damer.

Warhol Diamond Dust Shoe Series illustrerer også nattelivet i Studio 54 og de berømtheder, der bor der. Diamantstøv er det, han brugte over stenciler eller malerier, hvilket skabte et ekstra element af dybde til stykket. Og hans sko var oprindeligt ideen til Halstons annoncekampagne. Under alle omstændigheder gav disse to et kæmpe bidrag til mode og efterlod et uudsletteligt mærke bag sig. Selv i dag er mange moderne designere inspireret af Andy og Roys ideer og skaber storslåede samlinger med ekkoer fra fortiden.

2. Sonia Delaunay: Når kunst bliver mode

Sonia Delaunay revolutionerede ikke kun en ny form for kubisme, men introducerede også forbindelsen mellem kunst og mode. Både Delaunay og hendes mand var pionerer inden for orfisme og eksperimenterede med forskellige former for abstraktion i kunsten. Hun var den første af sin slags, der brugte sin egen kunstneriske stil og flyttede ind i modeverdenen ved hjælp af hendes originale tekstildesign, prints eller mønstre. Hun huskes mere for sin kunst og forbindelse til sin mand end for sin mode. Hendes stil spillede en stor rolle i 1920'erne, og hendes tøjkatalog huskes mere for fotografier og referencer til hendes kunst end beklædningsgenstandene selv. For Sonya var der og er der ingen grænse mellem kunst og mode. For hende er de et og det samme.

Hun startede sin modevirksomhed i 1920'erne, skabte tøj til kunder og designede stoffer til producenter. Sonya kaldte sit mærke Simultaneous og gik endnu længere med brugen af farve og mønster på forskellige emner. Simultanitet spillede en vigtig rolle i hendes arbejde, og hendes usædvanlige teknik mindede om et lappetæppe eller tekstiler fra Østeuropa: farver blev lagt oven på hinanden, og mønstre blev brugt til at skabe harmoni og rytme. Hendes fælles temaer omfatter firkanter / rektangler, trekanter og diagonale linjer eller kugler - som alle overlapper hinanden i hendes forskellige designs.

Delaunay var en ung kvinde i den edwardianske æra, hvor korsetter og overensstemmelse var normen. Dette ændrede sig i 1920'erne, da kvinder begyndte at bære nederdele over knæet og løst, passende tøj. Dette aspekt kan ses i Delaunays designs, og hun brænder for at skabe tøj, der passer til kvinders behov. Sonya udviklede badetøj, der tillod kvinder at føle sig mere komfortable, selv når de dyrker sport og svømning. Hun lagde sine aftryk på frakker, sko, hatte og endda biler ved at bruge enhver overflade som lærred. Hendes designs skabte bevægelses- og udtryksfrihed gennem farve og form.

I hele sin karriere forsøgte hun sig konstant i noget nyt og flyttede som følge heraf til biograf og teater. Sonia designede kostumerne til Rene Le Somptiers The Little Parisian, mens hendes mand lavede sættet til filmen. Hun var glad for geometriske former, behændigt at kombinere og blande dem med hinanden og skabe bizarre mønstre og brudte linjer, der er blevet hendes kendetegn.

3. Samarbejde mellem Elsa Schiaparelli og Salvador Dali

Avantgarden for surrealistisk kunst kombineres med lederen af surrealistisk mode. Salvador Dali og modedesigner Elsa Schiaparelli har samarbejdet og inspireret hinanden gennem deres karriere. De skabte ikoniske looks som Hummerkjole, Skohatten og Tårekjolen, der chokerede og inspirerede publikum inden for både kunst og mode. Dali og Schiaparelli banede vejen for fremtidigt samarbejde mellem modedesignere og kunstnere og broede kløften mellem det, der betragtes som bærbar kunst og mode. Dali brugte hummer som et tilbagevendende tema i sit arbejde og var interesseret i deres anatomi.

Kjole "Omar" er et fælles værk af Elsa og Dali, og deres oprettelse forårsagede mange kontroverser ikke kun på dagen for sin debut, men også efter. For det første har den en ren bodice og en hvid organzaskørt. Det usædvanlige outfit sprængte bogstaveligt talt modeverdenen og forårsagede mange kontroverser om denne score. Brugen af hvid klud står også i kontrast til hummerens røde farve. Hvid kan betragtes som jomfru eller symbolisere renhed sammenlignet med rød, hvilket kan betyde afslappethed, kraft eller fare.

Skeletter er et andet tema, der findes i surrealistisk kunst og er blevet brugt i flere samarbejder mellem Dali og Schiaparelli. Skelet -kjolen var den første af sin slags. Elsa brugte en teknik kaldet trapunto, hvor to lag stof sys sammen, hvilket skabte en kontur, hvor vatteringen indsættes og derved skabte en hævet effekt. Denne teknik skaber en struktureret overflade på et fladt stof, hvilket giver en illusion om, at menneskelige knogler stikker ud gennem kjolen. Dette forårsagede en skandale, fordi kjolen var lavet af et elastisk materiale, der klæbte til huden. Fantasierne om Dalis malerier og tegninger blev legemliggjort i den uvirkelige verden af Schiaparellis outfits, som den dag i dag gør et uudsletteligt indtryk på både seere og designere.

4. Yves Saint Laurent: The Clash of Art and Inspiration

Hvor er grænsen mellem efterligning og påskønnelse? Kritikere, publikum, kunstnere og designere har kæmpet for at bestemme, hvor denne linje løber. Men når det kom til Yves Saint Laurent, var hans intentioner ikke andet end smiger og beundring for de kunstnere og malerier, han brugte som inspiration. Når man ser på sin store portefølje, blev Saint Laurent inspireret af kulturer og kunst fra hele verden, som han med succes indarbejdede i sit tøj.

Selvom Yves aldrig mødte de kunstnere, der inspirerede ham, forhindrede det ham ikke i at skabe kunstværker som et tegn på respekt for dem. Laurent hentede inspiration fra kunstnere som Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque og Picasso. Han var en kunstsamler og samlede malerier af Picasso og Matisse, som han hang i sit hjem.

Yves tog nogle af kunstmotiverne og gjorde dem til fantastisk tøj, der hylder nogle af hans yndlingsartister. 1960'erne var en tid med revolution og kommercialisme, en ny æra med mode og kunst. Saint Laurents projekter fik kommerciel succes, da han begyndte at hente inspiration fra popkunst og abstraktion. I 1965 skabte han seks og tyve kjoler inspireret af abstrakte malerier af Piet Mondrian. Kjolerne udtrykte Mondrians brug af forenklede former og dristige primærfarver. Yves brugte en teknik, hvor der ikke var synlige sømme mellem lagene af stof, hvilket gav indtryk af, at tøjet var et helt stykke. Saint Laurent tog Mondrians kunst fra 1920'erne og gjorde den bærbar i forhold til 1960'erne.

Modekjoler er klassiske eksempler på 1960'ernes stil. De lignede tøj fra 1920'erne, der var mindre begrænset og havde ærmer og kantlinjer, der udsætter store hudpletter. Saint Laurents firkantede silhuetter fik kvinder til at føle sig lette og frie. Dette førte ham også til inspiration fra popkunstnere som Tom Wesselman og Andy Warhol. Han skabte en række popkunstinspirerede designs, der viste silhuetter og udskæringer på hans tøj. Det handlede om at overvinde begrænsningerne for, hvad abstraktion er i kunsten og kommercialisering af design. Laurent bragte disse to ideer sammen for at skabe tøj til kvinder, der er gratis og attraktive for moderne damer.

Saint Laurents Vincent Van Gogh -jakker er et eksempel på, hvordan Yves kombinerede kunstnerinspiration med sine egne designtalenter. Ligesom hans andre beklædningsgenstande blev kunstnerrelaterede temaer ikke kopieret og indsat på Saint Laurents tøj. I stedet valgte han at bruge dem som inspirationskilde og skabe stykker, der afspejler hans egen stil. Jakken er et eksempel på 80'ernes stil, som er broderet med solsikker i Van Goghs maleriske stil.

Laurent har samarbejdet med Maison Lesage, en leder inden for haute couture broderi. Jakke "Sunflowers" er broderet med rørformede perler. Blomsterne er fyldt med forskellige nuancer af orange og gule gnistre. Dette skaber en flerdimensionel tekstur, der ligner Van Goghs teknik til påføring af tyk maling på lærred. Det anslås at være en af de dyreste haute couture -varer, der nogensinde er lavet og solgt hos Christie for næsten fire hundrede tusinde euro. Saint Laurent banede vejen for at bære tøj som et kunstværk i sig selv, uanset mode og tidsperiode.

Fortsæt emnet, læs også om hvad der førte Saeko Yamaguchi til succes, hvilket gjorde hende til en af de mest elskede muser i Kenzo og Yamamoto.