Hvem Rodin virkelig skabte "The Thinker" eller "The Sourner": Den sande betydning af berømte kunstværker

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Alle kan let bemærke, at emnet sorg er meget populært blandt kunstnere. Og ofte ved moderne mennesker ikke engang om historien om oprindelsen af nogle malerier eller skulpturer og deres sande betydning.

"Portræt af Venedig Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Det ser ud til, at den unge kvinde sover fredeligt. Ikke desto mindre, da den flamske kunstner Anthony van Dyck i 1633 i 1633 forsøgte at formidle al den adelige skønhed i Venedig Stanley, Lady Digby, malede han faktisk et portræt … af et to dage gammelt lig liggende på dødslejet.

Bange af sorg over at opdage, at hans kone pludselig var død om natten, i en alder af 33, bad Venedigs mand, Sir Kenelm Digby, Van Dyck, kongmalens hofmaler, om at male sin afdøde kone før "kirurgerne og koronerne ankom."

Anthony van Dyck skrev Venedig, Lady Digby på hendes dødsleje i 1633 - to dage efter, at kvinden døde i søvne

Van Dijk gik i gang og ignorerede de frygtelige ændringer, der sker for menneskekroppen efter døden. På Venedigs blege, charmerende hals tegnede han en perlekæde, og på kanten af arket spredte han rosenblade. Digby mente, at maleriet af Van Dyck, som nu er i Londons Dulwich Art Gallery, var kronen på kunstnerens skabelse. Ifølge ham syntes denne "rose" at falme selv ved første øjekast og skulle symbolisere hans kones død.

På trods af at der er gået næsten 4 hundrede år, er der stadig rygter om, at Digby, som ikke kun var en hoffemand og diplomat, men også en opfinder og alkymist, selv forårsagede sin kones død. Nogle siger, at han gav Venedig en blanding af hugormeblod at drikke, som han håbede at bevare sin skønhed med. Andre mener, at han dræbte hende i jalousi - trods alt sagde han angiveligt engang om Venedigs berygtede sløvhed, at "en klog og stærk mand kan gøre en ærlig kvinde selv fra en bordelarbejder." Interessant nok, selvom der blev foretaget en obduktion, er dens resultater ikke bevaret.

Digby befandt sig imidlertid ødelagt af Venedigs død. Han skrev til sin bror, at Van Dycks posthume portræt “er den eneste konstante ledsager, jeg har nu. Han står hele dagen foran min stol og bord … og hele natten ved sengen. Når det svage måneskin falder på ham, ser det ud til, at jeg virkelig ser hende død."

Med andre ord, ifølge Digbys brev er det lille oliemaleri af Van Dyck, mindre end en kvadratmeter stort, blevet en trøst og trøst for den sorgramte enkemand. Hvis rosen på billedet virkelig er "emblemet" for livets forgængelighed, symboliserer selve billedet det, der kan kaldes sorgens kunst.

Ud over begravelsesmonumenter i kirker, der hovedsageligt blev installeret til minde om den afdøde, var temaet sorg i vestlig kunst før Van Dycks æra, i middelalderen og under renæssancen som regel kun fundet i religiøse maleri og skulpturer dedikeret til den tragiske historie om Kristi død …

Michelangelos Pieta i Peterskirken

Michelangelos fantastiske marmorpieta i Peterskirken er det eneste skulpturværk, han nogensinde har underskrevet. Hun skildrer den sørgende Jomfru Maria med den døde Kristus liggende i hendes skød. Dette er måske det mest berømte eksempel, men der er mange andre. For eksempel kan man udpege et maleri af en anden højrenæssancekunstner og ven af Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Ifølge eksperter på Nationalgalleriet er maleriet (hvor del Piombo arbejdede med Michelangelo) "Lamentation of the Dead Christ" (c.1512-1516) "det første store natlandskab i historien" og dets måneskinnede himmel matcher perfekt den dystre stemning.

Michelangelos Pieta i Peterskirken er en berømt version af et af de mest almindelige billeder i katolicismen: Jomfru Marias sorg over hendes søns død

Selvfølgelig er det traditionelle tema om sorg over Kristus blevet skildret af mange berømte forfattere i kunsthistorien, fra Giotto og Mantegna til Rubens og Rembrandt. Disse er blot nogle få af de tusinder af kunstnere, der har skildret denne bibelske scene i en eller anden form gennem århundreder. Sorgkunsten er faktisk blevet så allestedsnærværende, at nogle gange glemmer folk, hvad de ser på. Kuratoren for Rodins nye udstilling på British Museum offentliggjorde for nylig en artikel, der antydede, at den berømte franske skulptur Tænkeren i virkeligheden skulle kaldes The Mourner. "Se nøje på hånden og hagen," sagde Ian Jenkins, en myndighed om gammel græsk kunst. - Hvis denne person tænkte på noget, ville han have dækket hagen med hånden i en betænksomhedsbevægelse. Men i denne skulptur støtter hånden hagen. Og i det antikke Grækenland var det en gestus af sorg."

"Isle of the Dead" af Arnold Böcklin

Oliemaleri på træ af Arnold Böcklin "Isle of the Dead", 1880. Dets plot er baseret på gammel græsk mytologi. Maleriet inspirerede gyserfilmen med samme navn af Jacques Tourneur

Hvis du indtaster ordet "sorg" i en online søgemaskine på ethvert internationalt museum, vil det give mange resultater. For eksempel i Storbritannien returnerede en søgning efter dette søgeord på Tate Gallery -webstedet 143 kunstværker med temaet sorg og lidelse fra forskellige perioder.

For eksempel begyndte kunstnere i det 18. århundrede at se sorg og sorg gennem prismaet i Shakespeare -drama. Et yndet emne var døden af kong Lears datter Cordelia. I 1800-tallet var John Everett Millais 'forbløffende detaljerede maleri Ophelia (1851-52), som modellen Elizabeth Siddal poserede i flere timer dagligt i badekarret i fire måneder, et berømt og meget poetisk visuelt udtryk for sorg. Den skildrer en dansk adelskvinde fra Shakespeares Hamlet, der blev gal af sorg over sin myrdede far og druknede sig selv i en å.

Rodins tænker

Ian Jenkins fra British Museum mener, at Rodins Tænker skal kaldes The Mourner, fordi figuren hvilede hagen i en knyttet knytnæve - et klart tegn på, at personen er trukket tilbage og nedsænket i sin egen sorg.

Sorg var et meget vigtigt emne for kunstnere i den victorianske æra, hvor en kompleks "sorgkultur" var populær. I sin Art of Death (1991) bemærker kunsthistoriker Nigel Llewellyn, at "en imponerende visuel dødskultur" var et kendetegn for det 19. århundrede.

"Weeping Woman" af Picasso

I det 20. århundrede fortsatte kunstnerne traditionen fra deres victorianske forfædre til at udtrykke sorg i deres værker. Måske er det bedste eksempel Picassos Weeping Woman (1937), der er knyttet til hans episke maleri Guernica samme år, malet under den spanske borgerkrig som reaktion på det tyske fly, der bombede en baskisk by. Guernica betragtes af mange som det ultimative udtryk for det 20. århundredes kollektive sorg. Selvfølgelig er der mange eksempler på andre malerier fra det 20. århundrede, hvis tema er relateret til tristhed. For eksempel kan du huske et lille maleri af Lucian Freud, malet af ham i 1973 - et portræt af hans mor, trist over hendes mands død.

"Triptykon" af Francis Bacon

Francis Bacon malede i venstre panel af Triptykon (august 1972) sin elsker George Dyer, der begik selvmord

Francis Bacons Triptykon, som også udstilles på Tate i dag, har formået at berøre både personlig og offentlig sorg. En af Bacons såkaldte Black Triptychs blev malet efter selvmordet fra sin elsker George Dyer, hvis billede kan ses i venstre panel. Triptyklen er således et uforglemmeligt og meget personligt vidnesbyrd om malerens lidelse (som i øvrigt er afbildet i højre panel).

Naturligvis kunne to verdenskrige i det 20. århundrede ikke andet end have indflydelse på kunsten. Kunstkritikere hævder, at krigen havde en dybtgående indvirkning på den måde, kunstnere fremstillede sorg i forhold til 1800 -tallet. I modsætning til victoriansk sorg, hvor de enkelte familier oplevede individuel sorg, led næsten enhver familie i Europa pludselig.

Krigsmindesmærker

En konsekvens af dette var en officiel regeringsindsats for at "skabe en passende visuel kultur til sorg." De klassiske, allegoriske begravelsesfigurer, der var så elskede af viktorianerne, faldt af mode. I deres sted var krigsmindesmærker, der understregede det fælles nationale offer frem for tabet af enkeltpersoner.

Cenotaph War Memorial nær Whitehall, London, designet af Edwin Lutyens, er et arketypisk eksempel på denne nye tilgang: I stedet for menneskeskikkelser er der en tom kiste, der kan forbindes med enhver soldat. Sørgende familier kan bruge det som et universelt symbol.

Taryn Simon lavede installationen "Occupation of Loss", som deltog i 21 "professionelle sørgende" fra forskellige kulturer

Sorgens alsidighed er stadig et tema, der behandles af samtidskunstnere. Tidligere på året modtog den amerikanske fotograf Taryn Simon rosende anmeldelser for sin liveinstallation Occupation of Loss, iscenesat i en underjordisk hal i det nordlige London. Til arbejdet, der havde premiere i New York i 2016, inviterede Simon 21 "professionelle sørgende" fra hele verden, herunder Albanien, Aserbajdsjan, Ecuador, Ghana og Venezuela. Publikum kunne lytte til hver af disse kvinder.