Hvorfor menes det, at en god kunstner skal være fattig og ulykkelig

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Nutidige kunstnere har med succes afkræftet myten om, at de bestemt skal se excentriske ud, iført en gammel baret over deres lange hår og en vest. De fleste af skaberne ser stilfulde og endda imponerende ud. Men de formåede ikke at håndtere alle stereotyperne. For eksempel er der stadig en tro på, at en talentfuld kunstner skal være fattig. Og lider bestemt. Uanset om det er ulykkelig kærlighed, dårlige vaner eller bare livets omstændigheder, bør fattigdom ikke være den eneste last. Hvor kom det fra, og er kunstnere og andre skabere virkelig fattige og ulykkelige?

Hvis vi straks vender os til fakta, så fastlagde UNESCO for eksempel perioden mellem at male et billede og dets verdensomspændende anerkendelse (selvfølgelig generelt, forudsat at det er anerkendt) til 50 år. En enorm tid, hvis vi overvejer det i forbindelse med menneskeliv og ikke verdenshistorie. Er det ikke derfor, at de fleste kunstnere, uden at have modtaget anerkendelse i løbet af deres liv, døde i fattigdom? Det betyder, at denne stereotype ikke er andet end en livsobservation, folkelig visdom.

Desuden er dette princip ikke kun egnet for kunstnere og deres kreationer, men for enhver skaber og innovatør. Det være sig en kreativ person, en matematiker eller en programmør. Samfundet og markedsøkonomien accepterer ikke umiddelbart noget konceptuelt nyt. Selvfølgelig, hvis vi taler om kunstnere, så hvis denne skaber dekorerer det, der sælges nu, så kan han tjene penge, men det er værd at annoncere innovation, så vil alle punge deres læber skeptisk. Derfor er der stor forskel på, om en kunstner arbejder i alderen eller for markedet. Der er dog eksempler, der beviser, at det ene ikke forstyrrer det andet.

Men faktum er fortsat, at geniale kreationer er skabt efter almindeligt arbejde, og sidstnævnte er slet ikke kendetegnet ved sublimitet. Imidlertid er ikke alle skabere som regel så kloge, som besidder en kompleks og impulsiv karakter, de gik ikke med til sådanne kompromiser, der dømte dem til en dårlig eksistens.

Fattige mennesker og dollarelskere

Salvador Dali kaldte sig selv en "Dollar Lover" og skitserede derved sine egne ambitioner. Han forvandlede sit navn til et mærke i løbet af sin levetid og brugte det aktivt. Uden hans talent ville opmærksomheden naturligvis ikke have været tiltrukket ham, men vi skulle hylde den hype, som han omgav sig med, ville være misundelse af moderne berømtheder. Hvad er hans historie med sin kone Gala. Resten af mændene ville trods alt betragte det som skamfuldt at afsløre sådanne detaljer om deres familieliv, men Dali fortalte villigt alle, herunder i et interview, at hans kone bor sammen med kærester i et nærliggende slot, og han selv kommer kun til hende efter invitation.

Og denne historie, der er blevet udbredt? Sig, Dali, da han betalte for middag i en restaurant, lavede en lille tegning på bagsiden. En restaurantcheck kostede mere end selve frokosten, så den blev aldrig indløst. For kunstneren var det intet værd.

På trods af at han aldrig arbejdede for lave lønninger, modtog han altid et stort antal ordrer. Dette førte ofte til, at han nedbragte sit eget marked og reducerede omkostningerne ved individuelt arbejde. Men i stedet for at tage timeout begyndte han at arbejde endnu hårdere og bogstaveligt talt oversvømme markedet med malerier, skitser, illustrationer, møbelprojekter.

Da andre berømtheder ikke engang havde tænkt på at filme i reklame, havde Dali allerede anbefalet at købe et bestemt mærke chokolade fra skærmene. Så var der en reklame for et bilmærke, et flyselskab og endda tyggegummi. En reel skandale i tolden afslørede dog Dali's holdning til penge - han elskede det meget.

En håndgribelig indkomst blev bragt til ham af grafik, hvis ægthed han bekræftede med sin egen underskrift. Men som det viste sig, ville han ikke tegne hver for sig. De blev trykt på en metalplade, og tomme ark signeret med en måler blev udarbejdet på forhånd. Det var dem i mængden af 40 tusinde eksemplarer, der blev fundet hos toldmyndighederne. Arkene var billige, men Dali underskrev dem meget hurtigt. I gennemsnit kunne han tegne op til 70 tusind dollars i timen.

I begyndelsen af det 20. århundrede blev kunstnermiljøet stiltiende opdelt i dem, der arbejdede (eller i det mindste søgte) for at arbejde lige så økonomisk produktivt som Salvador Dali, og dem, der hædret udelukkende ukendte tiggergenier som Vincent van Gogh. I løbet af sit liv solgte han for et mere eller mindre anstændigt beløb på 400 franc sit eneste værk "Red Vineyards". Alle andre værker blev evalueret efter hans død. Han undlod ikke kun at tjene, han kunne ikke engang skaffe sig en anstændig eksistens.

Hans familie fordømte ham altid, samfundet forstod ikke og accepterede ikke, og det eneste, der trøstede ham, var at male. Han arbejdede meget hårdt, selvom dette ikke kan kaldes arbejde, fordi han aldrig modtog betaling for malerierne. Er det muligt at acceptere posthum berømmelse og evighed i efterkommernes hukommelse som betaling?

Van Gogh skrev, at hvis han kunne tjene mindst tusind franc om året, ville han være begyndt at male på en kilometer og med endnu større glæde, men det skete ikke, og den strålende kunstner forlod med harme og ukendt talent.

Et idealiseret billede af en sulten kunstner

For at være ærlig til det sidste havde ikke kun kunstnerne selv en hånd med at idealisere billedet af det ukendte geni. Franz Kafka beskriver i sin historie "Sult" en mand, der havde en meget ejendommelig holdning til kunst (dog ligesom Kafka selv), og hele essensen af hans selvudtryk var i en sultestrejke. Nu ville det blive kaldt en forestilling, men tilsyneladende på det tidspunkt blev de ikke rigtig opfattet, fordi folk kiggede, så på kunstneren dø af sult og derefter bar hans krop ud med en bunke halm.

Kafka demonstrerer ganske ironisk nok sin holdning til fagforeningen "kunstner-penge" og mener, at et rigtigt geni og en skaber må lide, "sulte" for sin vision om kunst. Og hvis han tjener godt, er godt fodret, har det godt og er i harmoni med den nuværende regering, så er han en tjener for kapitalisterne. Det virkelige geni er altid ukendt i hans levetid og helst tiggere.

Knut Hamsun i sin roman "Sult" havde også en hånd med i at skabe det samme image og beskrev forfatteren med hallucinationer fra sult. Hemingway mente også, at en forfatter skulle være sulten for bedre at kunne tænke på det evige for at være et skridt over sine spisede læsere. Forfatteren var imidlertid herligt afslappende på feriesteder og levede lykkeligt nogensinde efter slet ikke at stræbe efter en asketisk livsstil.

Måske løser fattigdom til en vis grad hænderne på skaberne af malerier og ikke kun. En kunstner, der ikke er genkendt af nogen, vil skabe på den måde, der ligger ham nær, uden at forsøge at imponere kritikere, uden at tage hensyn til fremtidige købers ønsker og meget mere. Han har mulighed for at eksperimentere uden at se tilbage på sine kollegers mening, han er ikke bange for, at offentligheden ikke vil godkende (hun godkendte ikke mere), han går i gang med forståelsen af dybe emner og evige værdier. Er dette ikke forudsætningen for at skabe et mesterværk?

Andre opfatter fattigdom som frihed, for hvis en kunstner giver sig selv til at male uden at bøvle med banalt og rutinemæssigt arbejde på markedet, så har han meget mere tid til eksperimenter og maleri selv. Pablo Picasso sagde, at "inspiration findes og kommer under arbejdet." Det vil sige, at du ikke skal ligge på sofaen og vente på musens ankomst, som ved hånden leder til lærredet og giver dig mulighed for at tegne et mesterværk til en værdi af millioner.

Rockmusikeren Nick Cave sagde, at inspiration slet ikke findes. Han kaldte kreativitetsarbejde og mindskede ikke talentets rolle mindst. Men talent alene er ikke nok, du har brug for udholdenhed og arbejde. En masse arbejde. Først derefter sker der geniale ting. Derfor er anbefalingen "at skabe evighed efter arbejde" snarere en teoretisk formulering, praktisk talt urealiserbar i virkeligheden.

Lidelse og frygt for kunstneren

Det eneste, som alle uden undtagelse forventer af ethvert kunstværk - følelser. Glæde, glæde, rædsel, afsky, frygt - det er ikke vigtigt, det vigtigste er, at energien kommer fra billedet, ellers hvorfor er det hele? Kan en kunstner, der sov, fik en solid og velsmagende morgenmad, hvis hus er fyldt, hans elskede kone har travlt med aftensmad, og børn (nødvendigvis sunde og heteroseksuelle) fylder huset (bestemt lyst og rummeligt, bygget for deres egne gebyrer) med deres stemmer og latter, pludselig skaber et mesterværk, der ville vende andres sjæle ud og ind? Tvivlsom.

Mange kunstnere akkumulerer bevidst negative følelser: frygt, vrede, harme, de hjælper med at give deres arbejde det nødvendige niveau af energi og skarphed. Disse problemer havde imidlertid intet at gøre med deres talent, men stammede snarere fra deres sociale status og livsstil. Den samme van Gogh led af psykiske lidelser fra barndommen og lidelse var en del af hans liv.

Ofte har genier psykiske lidelser. Sidstnævnte, på trods af at de faktisk ødelægger personligheden i de bedste perioder, kan blive årsag og grundlag for skabelsen af mesterværker eller videnskabelige opdagelser. Men er dette en tilstrækkelig betaling for mange års lidelse, pine, angst og depression? Skizofreni, bipolare lidelser, angst, depression - alt dette kan og skubber en person mod udtryk gennem kunst, men gør livet, både af personen selv og hans nærmeste, simpelthen uudholdeligt. Ofte endte geniernes liv med selvmord - endnu et bevis på, at lidelsen var uudholdelig.

Russisk kunstartel

I 1963 forlod hele 14 kunstnere det russiske kunstakademi. Og desuden med en skandale. De fik ikke mulighed for at vælge emner på de malerier, der skulle indsendes til konkurrencen. Så mange kunstnere, der kendte hinanden og pludselig befriede sig fra deres hovedbeskæftigelse, besluttede at stifte deres eget fællesskab. De forenede sig i en artel og forsøgte at tjene penge med det, de vidste - ved at male billeder, herunder at bestille.

De gav endda en slags reklame i aviser med en angivelse af listen over tjenester, de leverer og deres omkostninger. Tjenesten var meget forskelligartet, kunstnere og ikonostaser og portrætter og malerier malet. Og alt dette med oliemaling og akvareller og pasteller. Der blev også tilbudt undervisningstjenester.

Livet i en artel kostede kunstneren cirka 25 rubler om måneden, og den kollektive søgen efter ordrer var en meget god idé og gav et godt overskud. For eksempel startede prisen for portrætter fra 75 rubler og mere. For det meste var prisen afhængig af kunstnerens erfaring og talent, hans navn og ikke størrelsen på lærredet.

Mange kunstnere, hvis lærreder tilhører verdens mesterværker og nu er værdsat til en formue, blev faktisk skabt af mestre, der skaber kunst for kunstens skyld. Deres bevidsthed, som ikke passer ind i normalitetens rammer, og derfor ikke-anerkendelse af deres talent i løbet af livet, blev for mange årsagen til, at deres navne blev udødeliggjort i historiens annaler. Efterkommere, som om de føler sig skyldige før genialiteten, dyrker sit talent, ser Guds gnist i hans kreationer, og den tragiske historie om hans fattigdom og afsavn supplerer kun det overordnede billede.

Ofte havde genier ud over en kompleks karakter og særheder også mentale afvigelser. Nogle genier fra Sovjetunionen, der satte deres præg inden for videnskab og kunst, skylder mere sandsynlighed dette for deres skizofreni, som gør det muligt at tænke uden for rammerne..