11 af de dyreste amerikanske kunstværker solgt på auktion i de sidste 10 år

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Det første årti i det XXI århundrede viste sig at være gunstigt for kunstindustrien: det dyreste maleri i verden blev solgt på en auktion for en fabelagtig sum, den stadigt voksende interesse for kunst af oprindelige folk og minoriteter, samt da de sociale netværks varige indflydelse på det æstetiske perspektiv gjorde deres arbejde og spillede en af hovedrollerne. Amerikansk kunst var ingen undtagelse, og nogle af de mest værdifulde mesterværker fra USA gik fra hånd til hånd og satte nye verdensrekorder på auktioner.

Det tyvende århundrede oplevede en eksplosion af kreativitet og innovation i amerikansk kunst, afspejlet i de elleve mesterværker, der er anført her. Mens nogle af dem har været indrettet i afdelingerne for samtidskunst i større auktionshuse, har hver især bidraget til amerikansk kunsts ry og succes generelt.

1. Norman Rockwell

Norman Rockwells omklædningsrum blev oprindeligt skabt som et cover til Saturday Evening Post, og blev snart et kultikon. I hele midten af det 20. århundrede var Normans produktive illustrationer med til at forme national identitet, og som et af landets ældste og mest elskede Major League baseballhold var Boston Red Sox en sikker måde at røre ved selv de hårdeste amerikanere.

Dette maleri, der skildrer genkendelige baseballspillere og blev offentliggjort under pensioneringen af baseballlegenden Ted Williams, er stadig relevant i dag og betragtes som et tidløst maleri. Maleriet skildrer den rookie, der fremkalder modstridende følelser, da Red Sox -udstyret repræsenterer en følelse af triumf og herlighed, mens den akavede tilflytter ikke kan undgå at forårsage følelser af angst og endda forlegenhed. Den dybe følelsesmæssige reaktion, der genereres af det tilsyneladende enkle billede, er utvivlsomt grunden til, at dette maleri blev auktioneret i 2014 for svimlende 22 millioner dollars.

2. Edward Hopper

En af de vigtigste og mest indflydelsesrige kunstnere i det tyvende århundrede adskilte Edward Hopper sig fra sine samtidige ved at fange scener i det amerikanske hverdagsliv med følelsesmæssig, men åbenlyst ærlighed. Dette er legemliggjort i The East Wind Over Weehawken.

På trods af mangel på drama eller indlysende skønhed er maleriet ladet med spænding og følelser, især som et resultat af "Til salg" -tegnet, som kan betyde fremadgående bevægelse og progression, men i lige så høj grad involverer vanskeligheder og kamp, hvilket forårsager tvetydige følelser. I 2013 blev dette værk solgt hos Christie's for 41 millioner dollars.

3. Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe har konstant hentet inspiration fra planteverdenen og har taget amerikansk natur i en helt ny skala. I stedet for ekspansive landskaber og brede udsigter valgte hun små knopper eller individuelle blade som emne for hendes malerier i håb om, at selv travle New Yorkere ville få mulighed for at sætte pris på naturens skønhed.

En blomst, der findes i mange af O'Keeffes malerier, er Jimsons ukrudt (almindelig dope), en giftig plante, hun opdagede nær sit hjem i New Mexico. Hendes nærbilleder, der skildrer en sart, men giftig blomst, forvandler farligt til skønhed og fryser det flygtige og gør det udødeligt.

På trods af den intime undertekst, der ofte tilskrives hendes blomstermalerier, insisterede O'Keeffe på, at de var en hyldest til naturens skønhed, og at sådanne fortolkninger var et resultat af kritikerens egne fremskrivninger, ikke hendes hensigter. overraskelse og begejstring for offentligheden i det øjeblik, hvor den blev solgt for næsten 45 millioner dollars, hvilket gjorde det til det dyreste værk af en kvindelig kunstner.

4. Mark Rothko

Selvom det ved første øjekast virker så enkelt, at alle med pensel og lærred kunne male nr. 10 - et af de mest berømte malerier af Mark Rothko. Faktisk repræsenterer dette værk kunstnerens dygtighed i både instrumenter og teknik. Olierne synes at skinne med et overnaturligt skær, der giver maleriet energi og bevægelse. Farvepaletten fremkalder direkte associationer til varme, ild og lidenskab, og de områder, hvor gult møder orange og rødt bliver til sort, er gennemsyret af en besat følelse af det ukendte.

Hvem ved, hvad der motiverede en af de anonyme tilbudsgivere hos Christie's, der uden fortrydelse skiltes med en imponerende sum på 82 millioner dollars efter at have erhvervet "nr. 10" til sin egen samling.

5. Andy Warhol

Efter at have fremstillet folk som Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor og Marlon Brando, var det næsten uundgåeligt, at popartisten ville henvende sig til King of Rock for at fuldføre sit panteon af amerikanske ikoner. Warhols fascination af populærkulturen gjorde Elvis Presley til det ideelle emne for et af hans karakteristiske silketryk. Overlappende filmlignende monokrome billeder og tanken om en sølvskærm reflekteret i en poleret baggrund tager beskueren ind i 1950'ernes Hollywood-verden for en uforglemmelig oplevelse. Dette look er så kraftigt, at det blev købt hos Christie's i 2014 for hele 82 millioner dollars.

6. Barnett Newman

Mellem 1958 og 1966 skabte Barnett Newman (Newman) en række sorte pigmenter på åbne lærreder. Deres enkelhed og symbolske samspil mellem lys og mørke legemliggør følelsen af højtidelighed og umådelighed genereret af kunstnerens tab af sin bror. Newman oversatte sin sorg og optagethed af dødelighed til kunstværker, der er ru og anspændte, men samtidig sofistikerede og harmoniske.

Henvisningen til ild i titlen inviterer beskueren til at se bevægelse og lidenskab selv i en lineær lyn og monokrom palet. Værket tændte bestemt en brand i hjertet af en anonym budgiver, der købte Black Fire I fra Christies i 2014 for $ 84 millioner.

7. Mark Rothko

“Orange, rød, gul” - farver som Mark Rothkos maleri tiltrækker øjet og følelserne af mange af de samme årsager som nr. 10. Dens varme farvepalet ser ud til at udsende lys fra olien og liminalområder, hvor en skygge bliver forskellige, de kræver særlig fordybelse. Men i modsætning til nr. 10 emmer dette stykke af vitalitet og bærer ingen antydning af mørke, hvilket ser ud til at betegne slutningen.

Et utal af lysstrøg skaber en række forskellige teksturer, fra næsten gennemsigtig til rig opalescens, hvilket giver maleriet en slående følelse af dybde. Kombineret med lærredets enorme spændvidde, der er næsten 8 fod højt, skaber dette effekten af at omslutte beskueren i et intimt spor af varme. Derfor blev dette værk af Rothko auktioneret på Christies i 2012 for næsten syvogfirs millioner dollars.

8. Edward Hopper

Chop Suei betragtes ofte som Edward Hoppers mest perfekte maleri på grund af det faktum, at det appellerer til alle sanser og inviterer beskueren til at skabe en historie i deres sind. Ligesom østvinden over Weehawken fokuserer Chop Suei på de mere rolige øjeblikke i det amerikanske liv og præsenterer en hverdagsscene med brede penselstrøg og dæmpede toner.

I stedet for den fotografiske realisme, som mange af hans jævnaldrende stræbte efter, fremkalder denne stil effekten af en hukommelse eller en drøm. Den fortryllende og mystiske scene satte rekorden for Hoppers dyreste værk, da det solgte hos Christie i 2018 for knap tooghalvfems millioner dollars.

9. Roy Lichtenstein

Længe før det blev solgt hos Christie for femoghalvfems millioner dollars i 2015, er Roy Lichtensteins sygeplejerske blevet et ikonisk amerikansk kunstværk, der legemliggør popkunstens udfordring for traditionel billedkunst. Med et eksempel fra moderne reklamekampagner, tegneserier og kommercialisme gav popkunst sit publikum en ny linse, hvorigennem det var muligt at fortolke verden omkring dem og de beskeder, de modtog.

Sygeplejerskeværket bevarer en følelse af dybde og energi, der genereres af det store felt af håndstensilerede (snarere end maskinfremstillede) prikker, der udgør kvindens ansigt, ærmer og baggrund. Kombineret med dristige linjer og farver, der udgør resten af billedet, hænger maleriet et sted mellem parodi, oprigtighed og ironi.

10. Jean-Michel Basquiat

Efter at have modtaget en kopi af Grey's Anatomy, mens han kom sig efter en bilulykke, blev Jean-Michel Basquiat interesseret i menneskekroppen, hvilket fremgår af de malerier, han skabte som voksen. Kraniet er et af de mest genkendelige billeder, der regelmæssigt optræder i hans værker, et symbol, der bygger en bro mellem liv og død.

Et eksempel på dette er hans værk "Untitled", hvor lyse farver og hårde, kaotiske streger står i kontrast til et nedsænket, dæmpet kranium. Maleriet kombinerer et videnskabeligt grundlag med en urban stil og belyser Basquiat's nye tilgang til kunst. Dette blev vist på Basquiat -udstillingen, der var navngivet som det eneste udstillede stykke, og på Sotheby's, hvor maleriet blev solgt for hundrede og ti millioner dollars i 2017.

11. Andy Warhol

Ligesom Triple Elvis bruger Andy Warhols Silver Car Crash en kombination af silketryk og sølvmaling, men effekten er en helt anden. Silver Crash understreger, at selvom bilen kan være essensen af frihed, industri og den amerikanske drøm, har den også evnen til at forårsage død, ødelæggelse og katastrofe.

Den fristende grusomme skildring af en ødelagt bil, gentaget igen og igen, og det uhyggeligt blanke lærred ved siden af, fangede tre ekstremt berømte kunstsamlere: Gian Enzo Sperone, Charles Saatchi og Thomas Amman. En anonym Sothebys auktionarius købte maleriet i 2013 for hundrede og fem millioner dollars, den højeste pris, der nogensinde er betalt for Warhol.

Fortsætter emnet - 10 dejlige landskabsmalerier, som belaster beskueren med den mest virkelige "sublime energi" og giver et hav af alle slags følelser.