Hvordan en fransk guldsmed afslørede hemmelighederne for japanske håndværkere: Lucien Gaillard og hans knogler

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Alle værker af Lucien Gaillard kender alle - også selv om hans navn er ukendt. Hans yndefulde hårnåle, kamme og brocher er blevet den absolutte udførelsesform for den "krøllede" retning i moderniteten. Han forherligede kortvarig, flydende, foranderlig skønhed - hans herlighed viste sig at være lige så flygtig …

I anden halvdel af 1800 -tallet opdagede europæerne japansk kunst - og dette ændrede radikalt udviklingsvektoren for kunst og design radikalt. Studiet af kulturen i dette mystiske land åbnede nye horisonter for kunstnere og gav dem nye inspirationskilder. Den japanske kulturs sjælfuldhed og enkelhed, dens nærhed til naturen, dens æstetiske multidimensionalitet dannede grundlaget for forskellige modernitetsretninger. Juvelerer opdagede asymmetri, fik evnen til at se sig omkring og finde inspiration bogstaveligt talt under deres fødder, stoppede med at jagte billeder af evig ungdom og vendte sig til temaet forandring, ændring af årstider og uundgåelig fading. Forakteligt kaldet "japanisme", tog europæiske kunstners fascination af japansk kunst hurtigt utrolige proportioner. Lucien Gaillard, der formåede at bringe syntesen af kulturer til et nyt niveau, undslap ikke denne passion.

Gaillard var en tredje generations guldsmed, og hans familie var altid glad for japansk kunst - dog var de stadig kendt for at være excentriske. Imidlertid har deres fortjenester, dygtighed og opfindsomhed altid opvejet det underlige.

Lucien er født og opvokset i Paris, som allerede dengang var modehovedstad. Og selvom den finurlige jugendstil ikke var en opfindelse af franskmændene, tog lokale mestre op og udviklede dens eksotiske motiver - og Gaillard blev det sande geni i fransk jugendstil. Han begyndte sin karriere på sin bedstefars virksomhed, som han arvede i 1892 - og dette var det første skridt mod at ophøre med at være en efterkommer af berømte guldsmede og blive sig selv.

Gaillards første og vigtigste lærer var hans far, en sølvsmed, der havde adskillige priser og medaljer. Selv i status som ejer af virksomheden stoppede Lucien dog aldrig med at studere, deltog i mange smykkekurser og talte med fremragende parisiske håndværkere. Men fra en ung alder var Gaillard fascineret af hemmelighederne ved japanske legeringer, patina og lakker. Han mente, at det var japanerne, der nåede det fantastiske metalforarbejdningsniveau, deres farvning - og nej, han stræbte ikke efter at overgå dem. Han ville forstå dem.

Gaillard havde en kunstners sjæl, men en videnskabsmands sind. Han fordybede sig i undersøgelsen af metaller og legeringer og udgav efterfølgende flere videnskabelige artikler om teknikken til patination. Samtidig drev han et værksted, der producerede lamper, vaser og andre møbler i stil med Louis XV og Louis XVI. Det var ikke det, han ville - men sådanne ting var efterspurgte, hvilket betyder, at de bragte ham indkomst og berømmelse. Præmier og æresstillinger blev skænket den unge juveler, guldsmedere i hele Europa var interesseret i hans eksperimentelle forskning. Og i 1897 besluttede Gaillard, at det var på tide at foretage et kup …

Han flyttede til en ny fire-etagers bygning på Ryu Boechi, købte det nyeste og mest avancerede udstyr til disse tider. Han inviterede japanske håndværkere, der var klar til at afsløre hemmelighederne i gamle legeringer for ham, stiftede bekendtskab med asiatiske graverer, lakere, juvelerer … Han fik venner med Rene Lalique, allerede en dygtig guldsmed, der vidste, hvordan man ikke kun fandt inspiration, men også også for at inspirere sine kolleger. Endelig præsenterede han sit banebrydende arbejde på verdensudstillingen 1900 i Paris.

Publikum var forbløffet. Hvad Gaillard begyndte at producere var så påfaldende forskelligt fra andre juvelerers værker, at blikket ufrivilligt stoppede ved hans vindue. Patineret sølv, mærkeligt skinnende og skinnende, smykker lavet med den højeste kunstneriske smag, kamme, hårnåle, bittesmå vaser med naturlige motiver. Det tog Gaillard år at finde særlige kompositioner til patination af knogler og horn, men en lang søgning var det værd, og det ædle elfenben i hans hænder fik grønne, lilla, lyserøde nuancer. Disse smykker var ikke særlig holdbare og krævede omhyggelig håndtering - men vandt hjertet hos alle, der var beæret over at se på dem.

I Gaillards skrifter var japansk indflydelse meget udtalt. Han skildrede insekter, vildblomster, plantefrø - alt det, der tidligere blev anset for uacceptabelt for luksuriøse smykker. Derudover var han en af de første - sammen med sin ven Rene Lalique - til at bruge kvindebilleder i smykker, ofte kombineret med billeder af slanger og insekter. Sandt nok, i modsætning til Lalique, vandt han ikke denne skandaløse berømmelse …

Det er også utvetydigt, at Gaillard lånte af japanerne design af hårsmykker, der gjorde ham berømt. Rigt dekorerede knogtekamme har altid været gennemsyret af særlig symbolik i japansk kultur, og Gaillard kombinerede organisk asiatisk funktionalitet med parisisk chic. I hvad Gaillard gjorde, var der altid en særlig respekt for kvinder. Derfor er dens kamme og hårnåle behagelige, lette, behagelige at røre ved. Og de er også gennemsyret af lys og luft, de virker levende, skælvende, flimrende … Næsten intet vides om Gaillards personlige liv. Tilsyneladende har han ingen arvinger tilbage. Broder Gaillard var en kendt møbeldesigner.

I det første årti af det 20. århundrede blev Gaillard interesseret i glasblæsning og samarbejdede endda med Lalique, men deres fælles arbejde var ikke særlig frugtbart. Efter 1910'erne blev han mindre og mindre aktiv og interesseret som videnskabsmand og kunstner, men Gaillards firma fortsatte med at fungere indtil 1921. Omkring dette tidspunkt stoppede han helt med smykker og forsvandt fra stedet. I 1942 blev det kendt, at mesteren ikke længere eksisterer. Men hans smykker, ofte ikke tilskrevet, ikke navngivet, overlevede sin skaber, bosatte sig i private samlinger, gemte sig på museer og forblev et minde om den "smukke æra", da kunstnere kun så deres mål at skabe skønhed.