Sådan blev verdens mest berømte malerier skabt: Spændende historier om store kunstners malerier

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Grigory Landau, journalist og filosof, sagde engang: "Kunst er en dialog, hvor samtalepartneren er tavs." Maleri er en subtil kunst, allegorisk, følelsesmæssig og giver tolkningsfrihed. Dette er en hel verden af uløste hemmeligheder og uløste mysterier. Lad os prøve at åbne hemmelighedssløret over historien om skabelsen af de mest berømte malerier af store kunstnere.

#1. Saint George and the Dragon, Paolo Uccello, 1470

Faktisk har kunstneren to versioner af dette maleri. I denne version besejrer George dragen, som den smukke dame holder i snor. Maleriet har en dyb religiøs betydning. Ifølge legenden bosatte en drage sig i søen i en by i Libyen. Den hedenske kejser beordrede, at smukke piger skulle ofres til ham. Da der ikke var nogen unge kvinder tilbage i byen, sendte kejseren sin egen datter til dragen. Den modige kriger George gik for at redde hende og besejrede dragen. Prinsessen symboliserer her den forfulgte kristne kirke, dragen - hedenskab og George - den kristne tro. Der er versioner, som George, senere anerkendt som en helgen, træder ikke bare hedenskab, men djævelen selv, den "gamle slange".

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" er et selvportræt af kunstneren. Sådan afslører han betydningen af sit værk:”Farve er overalt. Jeg tror, at farve er liv. Vores hoved skal rotere i en spiral for at forstå, at alt, hvad der omgiver os, ikke er andet end farver. Farve er universet, universet er liv, maleri er liv."

# 3. Bath, Jean-Leon Gerome, 1885

Eksperter mener, at dette billede og en række lignende i Jerome's arbejde symboliserer "hvidt" snobberi. Dette kan ses fra dynamikken i de figurer, der er afbildet på lærredet. Den hvide kvinde er det dominerende emne, mens den sorte kvinde er underdanig.

#4. Garden of Earthly Delights, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch er en af de mest mystiske kunstnere i verden. Symbolikken i hans malerier er så forvirret, at det simpelthen er umuligt at finde en enkelt forklaring på det enorme antal symboler, der er afbildet på dem. Dette særlige værk fik sit navn fra de kunstkritikere, der studerede det. Det oprindelige navn forblev ukendt. Historikere mener, at det venstre panel i triptyklen er himlen, det centrale er moderne syndigt menneskeliv, og det højre panel viser helvede. Men billedet rejser mange flere spørgsmål, end det besvarer.

#5. Sharpie, Caravaggio, 1594

Dette værk er slet ikke en karikatur af vice of dirty gambling. Det er snarere en rolig fortælling, som Caravaggio godt var klar over. Trods alt førte kunstneren selv sit liv meget useriøst og endda voldsomt. Handlingen går ud på at beskrive et drama, der udspiller sig - et drama om bedrag og tabt uskyld. Den naive ungdom blev taget i omløb af erfarne skarpere. Den ældste kigger på sine kort og giver tegn til en anden snyder.

# 6. Watson og hajen, John Singleton Copley, 1778

Billedet viser en sag fra det virkelige liv. I 1749, i Havana, besluttede Brooke Watson, en 14-årig kabinedreng, at tage en dukkert. En haj angreb ham. Kaptajnen på skibet, som drengen tjente på, forsøger at redde ham ved at dræbe hajen med en harpun. Kaptajnen lykkedes kun ved tredje forsøg. Watson mistede i denne ulige kamp foden. Hele sit liv gik han derefter med et træben. Dette forhindrede ham ikke i at blive borgmester i London. Samtidig mødte han kunstneren og fortalte ham denne historie. Hvilket var inspirationen til John Copley.

# 7. Komposition VIII af Wassily Kandinsky, 1923

Fra barndommen var Kandinsky fascineret af farve. Kunstneren mente, at han havde transcendentale egenskaber. Kandinsky skrev sine kompositioner som komponist af en symfoni. Hver komposition afspejlede kunstnerens vision i sin egen tidsperiode. Kandinsky brugte geometriske former i sine værker, fordi han troede på deres mystiske egenskaber. Figurernes farver afspejlede følelser.

#otte. Saturn sluger en søn, Francisco Goya, 1823

Ved alderdom blev Goya døv, og hans helbred generelt, både fysisk og psykisk, forringedes. Det er med dette, historikere forbinder hans forfatterskab med en serie på 14, som de blev kaldt "dystre billeder". Som han malede indvendigt på væggene i hans hus. "Saturn sluger en søn" er en af dem. Dette er en velkendt gammel græsk myte om titanen Kronos (senere omdøbte romerne ham til Saturn). Cronus fik at vide, at han ville blive styrtet af sin egen søn. Og Saturn spiste alle sine nyfødte børn. I Goya er Saturn afbildet som en frygtelig, halvt vanvittig gammel mand, der ikke spiser en baby, men et voksen barn. Der er mange fortolkninger af betydningen af dette lærred. Men det vigtigste er, at kunstneren ikke skrev det til offentligheden. Måske på denne måde forsøgte Goya at uddrive sine egne dæmoner.

#ni. Deer at Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

Kunstneren skildrede en fælles scene fra hverdagen i New York i begyndelsen af det 20. århundrede. En privat kampklub som normalt var placeret i fattige kvarterer. Udenforstående, der ikke var medlemmer af klubben, blev kaldt "hjorte" der. De fik midlertidigt medlemskab for at kæmpe. Bellows malede billedet på en sådan måde, at når man ser på det, får man indtryk af, at man er blandt kampens tilskuere.

#ti. En ven i nød, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"En ven i nød" er den mest populære film i serien Dogs Playing Poker af Cassius Marcellus Coolidge. Denne serie blev bestilt af Coolidge af Brown & Bigelow til at reklamere for cigarer. Selvom Coolidges malerier aldrig blev betragtet som ægte kunst af kritikere, er de siden blevet ikoniske.

#elleve. Kartoffelspiserne, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh ønskede at skildre bønderne, som de virkelig er. Han ville vise en helt anden livsstil, anderledes end overklassen. Han skrev senere til sin søster og udtalte, at kartoffelspiserne var hans mest succesrige maleri.

#12. The Raft of Medusa, Theodore Gericault, 1819

Lærredet "Raft of Medusa" ("Le Radeau de la Méduse") skildrer eftervirkningen af sammenbruddet af den franske søfregat "Medusa". Nogle af menneskene passede ind i bådene, for de resterende 147 mennesker blev der hurtigt bygget en tømmerflåde. Bådene slæbte tømmerflåden. Men kaptajnen bemærkede, at tømmerflåden var for tung, beordrede rebene til at blive afskåret. Næsten halvandet hundrede mennesker blev overladt til sig selv uden mad og vand. I 13 dage af deres rejse på en tømmerflåde med et spøgelsesagtigt håb om frelse overlevede 147 mennesker 15. Gale af sult og tørst spiste folk hinanden og drak blod. Frankrig ønskede at dæmpe denne skamfulde historie, men den var for åbenlys, og det lykkedes ikke.

#13. Pramtransportører på Volga, Ilya Repin, 1873

Dette værk er det mest berømte af Ilya Repin. Billedet er blevet en kult. Det arbejde, kunstneren udførte, var seriøst. Repin mødte personligt alle pramtransportørerne afbildet i maleriet. Kunstneren skrev hundredvis af skitser og brugte 5 år på dette værk. Både historikere og samtidige betragter maleriet som en direkte fordømmelse af de undertrykte klassers hårde arbejde. Selvom Repin altid benægtede denne mening.

#fjorten. Susanna og de ældste, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna og de ældste er en bibelsk historie fra Det Gamle Testamente. Under kejser Nebukadnesars regeringstid faldt det jødiske folk i slaveri for babylonierne. Blandt dem var Susanna med sin mand Joachim. Kvinden besad en jordisk skønhed, og to ældste ønskede hende. De truede hende med, at hvis Susanna ikke var venlig mod dem, ville de fortælle folk, at hun var en ægteskabsbrud. Kvinden nægtede, og de ældste efterkom deres trusler. Hun blev dømt til døden i henhold til jødisk lov. Men så greb den unge profet Daniel ind. Han kom på ideen om at forhøre mændene, først hver for sig og derefter sammen. Deres versioner faldt ikke sammen, bagvaskelsen blev afsløret. Susanna blev frikendt, og de ældste blev henrettet. Det er meget bemærkelsesværdigt, at kunstneren kun var 17, da hun malede dette billede. For Artemisia selv blev hun profetisk, for senere skete en lignende historie med hende.

#15. Gross Clinic, Thomas Eakins, 1875

Plottet af dette billede er baseret på en operation, som Eakins vidner om. Det blev udført af en af de bedste kirurger i Amerika, Dr. Samuel Gross. Operationen blev udført i klasseværelset foran eleverne med det formål at undervise. Lægen viste, hvordan man behandler infektionen med en konservativ operation, frem for amputation af hele lemmet (som dengang var standard). Lærredet skildrer virkeligheden uden udsmykning: både Grosss rolige professionalisme og kvindens lidelse i nederste venstre hjørne. Forskere mener, at patientens mor. Kritikere og seere vurderede værket til stor forfærdelse for Eakins ekstremt negativt. Folk, der roligt overvejede plottene med blodige kampe, var ikke klar til at overveje realismen i en medicinsk operation.

#16. Vandreren over tågehavet, Caspar David Friedrich, 1818

"Vandrer over tågehavet" ("Der Wanderer über dem Nebelmeer") er et lærred, hvor kunstneren forblev tro mod sin romantiske stil. På billedet skildrede Friedrich sig selv og stod alene med ryggen til beskueren på en mørk stejl sten. "Vandreren over tågehavet" er en metafor. Det handler om selvrefleksion, om en ukendt fremtid. Friedrich sagde om dette værk på denne måde: "En kunstner må ikke kun tegne det, der er foran ham, men også det, han ser inde i sig selv." # 17. The Harvesters, Jean-Francois Millet, 1857

Maleriet Des glaneuses skildrer tre bondekvinder, der samler de resterende spikelets efter høst af en mark. Bøndernes hårde, ydmyge arbejde fremkaldte sympati fra kunstneren. Det var disse følelser, der kom til udtryk i billedet. Men i samfundet vakte værket negativ kritik fra overklassen. Frankrig oplevede for nylig en revolution, og adelen fandt dette billede en ubehagelig påmindelse om, at det franske samfund er bygget på de lavere klassers arbejde. Og da arbejderklassen på det tidspunkt var i undertal af overklassen, frygtede de, at billedet på en eller anden måde kunne få underklassen til at gøre oprør.

#atten. Skriget, Edvard Munch, 1893

Skriget er et af de mest mystiske mesterværker i verdens maleri. Munch sagde, at han engang gik ud en tur ved solnedgang. Solens nedgang farvede skyerne en blodrød. Og Munch hørte pludselig, følte, som han udtrykte det, "naturens endeløse råb". En anden forklaring kan være resultatet af Munchs følelsesmæssige tilstand, da hans søster for nylig blev sendt på et sindssygt asyl. Dette maleri er blevet kidnappet mange gange. Handlingen kan betragtes som profetisk: i slutningen af 1800 -tallet beskrev Munch katastroferne i det 20. århundrede.

#19. Den store bølge ud for Kanagawa, Katsushika Hokusai, 1829 - 1833

Sammensætningen består af tre hovedelementer: et stormfuldt hav, tre både og et bjerg. Det snedækkede bjerg er Mount Fuji, som japanerne anser for helligt. Det er et symbol på national identitet og skønhed. Sådanne spil med plads og lyse farver, usædvanligt for asiatisk maleri. Billedet symboliserer en persons frygt for et ukuelig element og en tvungen underkastelse til det.

#tyve. The Starry Night, Vincent Van Gogh, 1889

"Starry Night" er et mesterværk, at efter at have set det kun én gang, vil du aldrig glemme det igen. Kunstneren malede det på et hospital for psykisk syge. Disse hvirvelstrømme, enorme stjerner … Nogle mener, at Van Gogh skildrede en udsigt fra vinduet. Men de syge fik ikke lov til at gå ud på gaden, de var endda forbudt at arbejde på afdelingen. Vincents bror bad hospitalsledelsen om at give ham et værelse, så han kunne skrive. Forskere mener, at Van Gogh i sit maleri skildrede et sådant fænomen som turbulens - hvirvelstrøm flyder fra vand og luft. Dette kan ikke ses, men kunstnerens øgede opfattelse hjalp ham med at se, hvad der er skjult for almindelige dødeliges øjne. 10 manglende og nyfundne mesterværker af store mestre. Baseret på materialer