7 mesterværker af Eremitagen, der er værd at se i 2020

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Forskere har længe bevist, at kunst har en gavnlig effekt på menneskers sundhed ved at reducere angst og stress i kroppen. Dette gælder især for kunst og overvejelse af det smukke. For at 2020 kan blive fyldt med en gunstig tilstand af krop og ånd, er det derfor værd at besøge Eremitagen og se de mest berømte udstillinger af museet.

"Apostlene Peter og Paul" af El Greco

El Greco er en af de lyseste og mest originale kunstnere. Græsk efter oprindelse, han studerede maleri i Italien på værkstedet for den store Titian. Han lærte olieteknikken fra sit idol og var også inspireret af de kunstneriske teknikker i italiensk manisme. El Greco skilte sig ud blandt sine kolleger for originaliteten af den dramatisk udtryksfulde stil. I sine portrætter var han meget opmærksom på psykologisk karakterisering. I dette maleri fra Eremitagen repræsenterer kunstneren to forskellige typer mennesker. Til venstre ses apostelen Peter, der benægtede Kristi eksistens tre gange. Hans ansigt formidler sorg og usikkerhed, mens hans gestus er farvet med omvendelse og bøn. Apostelen Paulus, som som bekendt oprindeligt var en nidkær forfølger af kristne, viser på billedet åndelig glød i at bekræfte sandheden. Håndbevægelserne, der udgør værkets kompositionelle centrum, udtrykker en dialog, der forener de to apostle.

Den gråhårede Peter, pakket ind i en gylden kappe, vippede hovedet til siden. I sin venstre hånd holder han sit symbol - nøglen til Himmeriget. Pavel presser fast sin venstre hånd til den åbne lydstyrke på bordet, hans højre hånd rejser sig i en afklaringsbevægelse, når han ser direkte på beskueren. Sankt Peter og St. Paul optræder adskillige gange i El Grecos arbejde, og de er afbildet med slående konsistens. Kunstneren viser altid Petra med gråt hår og skæg, og han bærer ofte en gul kappe over en blå tunika. Paul er altid let skaldet, med mørkt hår og skæg, i en rød kappe over blåt eller grønt tøj.

"Penitent Mary Magdalene" af Titian

The Penitent Mary Magdalene er et portræt af St. Mary Magdalene Titian fra omkring 1531, med signaturen 'TITIANUS' på fartøjet til venstre. Ifølge plottet er dette en kvinde med en opløftet fortid, som ifølge evangeliet (Luk. 7, 36-50) kom til Simon farisæernes hus for at bede Jesus om tilgivelse. Det er en feminin figur portrætteret af Titian med tykke, koncentrerede streger og varme toner. Paletten fremhæver utrolige øjne gennemblødt af krystaltårer. Det kobberblonde hår, der dækker figuren, er fantastisk skrevet. Temaet for den angrende Maria Magdalena, der fik øjnene op til himlen, fik stor popularitet i Italien i 1500 -tallet blandt aristokrater, religiøse ledere og den velhavende middelklasse. Manglen på tøj symboliserer Magdalens afvisning af smykker, guld og verdslige hobbyer af hensyn til troen på Kristus. Derudover opfylder det gyldne hår og den overordnede figur af Magdalena standarderne for renæssancens skønhed.

"Madonna Litta" af Leonardo da Vinci

Maleriet fik sit navn fra den milanesiske adelsfamilie, i hvis samling det blev fundet i det meste af 1800 -tallet. I 1865 købte den russiske zar Alexander II lærredet til Eremitagen, hvor det fremstilles den dag i dag. Dette værk skildrer Madonna, der ammer Kristusbarnet. Bemærk fraværet af spøgelser i dette billede. En række af Leonardos lærred viser den samme egenskab. Figurerne er sat i et mørkt interiør med to buede åbninger, der viser udsigt over det bjergrige landskab. En interessant detalje: i midten af billedet, i Kristi venstre hånd, er der en guldfinke, som er et symbol på Kristi lidenskab.

Følelsen af moderskabets glæde i maleriet "Madonna Litta" skildres særligt dejligt takket være righeden af selve billedet af Mary - her fandt det sit modne udtryk for Leonardos feminine skønhed. Madonnas blide, smukke ansigt giver en særlig spiritualitet til halvlukkede øjne og et lille smil. Maleriets sammensætning er slående i sin slående klarhed og perfektion. Madonna og barnet var et almindeligt motiv i kristen kunst i middelalderen og fortsatte ind i renæssancen.

"Lutespiller" Caravaggio

Maleriet blev bestilt af kardinal Francesco del Monte, som protesterede for kunstneren. Caravaggio skildrede en ung mand fascineret af musik: hans blik er fuld af inspiration, fingrene klamrer sig til strengene. Figuren af en ung mand i en hvid skjorte skiller sig tydeligt ud mod en mørk baggrund. Kraftig sidebelysning og faldende skygger giver objekter en næsten mærkbar volumen og vægt. Objekterne på billedet vidner om kunstnerens store kærlighed til verden omkring ham, hans ønske om sandfærdigt at gengive naturen, at formidle den materielle kvalitet af hver detalje. På den notesbog, der ligger foran helten med en lut, er åbningsnotaterne fra madrigalen populær i 1500 -tallet "Du ved, at jeg elsker dig" skrevet.

Kærlighed som tema for dette værk er også angivet med andre objekter. For eksempel var den revnede lut en metafor for kærligheden, der fejler. Ved kreativitetens begyndelse gav Caravaggio ofte unge mennesker feminine træk, hvilket dog var typisk for italiensk kunst i slutningen af 1500 -tallet. Det er interessant, at musikeren fra maleriet fra Eremitagen ofte forveksledes med en pige, og kompositionen blev kaldt "The Lute Player".

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Et af kunstnerens bedste værker - "The Lady in Blue" - blev skabt af Gainsborough i højsædet af hans kreative kræfter. Figuren af en ung kvinde i en åben kjole lavet af gennemsigtigt hvidt stof skiller sig forsigtigt ud mod en mørk baggrund. Hendes pulverformede hår er stylet til en finurlig frisure. Store krøller falder over skrå skuldre. Friskheden i det ungdommelige ansigt accentueres af halvåbne læber og mandelformede mørke øjne. Med en let bevægelse af højre hånd holder hun det blå silketørklæde. Grålige, blålige, lyserøde og hvide toner her og der forstærkes med lyse streger og hjælper med at formidle modellens elegance og skønhed.

Frimodigheden i Gainsboroughs billedteknikker overraskede hans samtidige. Så bemærkede Reynolds "mærkelige pletter og træk" i Gainsboroughs malerier, "som mere sandsynligt er et resultat af tilfældigheder end en bevidst hensigt." Det er denne ikke-akademiske tradition, der er en af Gainsboroughs største præstationer. "The Lady in Blue" kom ind i Eremitagen i 1916 fra samlingen af A. 3. Khitrovo efter testamente.

Den fortabte søns tilbagevenden af Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Dette mesterværk af bibelsk kunst bekræfter igen Rembrandts status som en af de fineste malere nogensinde og den største af alle gamle mestre i skildringen af bibelske scener. Maleriet The Prodigal Son's Return, færdiggjort af kunstneren i de sidste år af hans liv, skildrer en scene fra lignelsen Luke 15: 11–32. Ifølge den fremragende kunstkritiker Kenneth Clarke er lærredet et af de største malerier nogensinde. Ifølge handlingen lægger faderen, ligesom patriarken, hænderne på skuldrene af en barberet bod og klædt i slidt tøj. Hans øjne er næsten lukkede. Tilgivelsesakten bliver en velsignelse for et næsten sakramentalt sakrament.

Dette er et billede med den største spiritualitet, fri for alle anekdotiske aspekter, hvor alle bevægelser og handlinger er gået i stå. Scenen stuper i mørket, som en tunnel, hvorfra faderens og hans ældste søns ansigter stråler farvestrålende. Deres røde klæder giver dette mørke en glød. Rembrandt har gentagne gange malet om temaet for den fortabte søn, men i denne monumentale olieversion kom han til sin mest spændende og - takket være kontrasten mellem den ældste og den yngre (fortabte) søn - den psykologisk vanskeligste formulering.

"Dans" af Henri Matisse

"Dans" er et af de mest berømte værker af Henri Matisse - en ode til liv, glæde, fysisk afvisning og et symbol på samtidskunst. Værket blev bestilt af den indflydelsesrige russiske samler Sergei Shchukin i 1909 til at dekorere sit palæ. Kendetegnet ved sin enkelhed og energi, satte dette kunstneriske orgie et uudsletteligt præg på det 20. århundredes kunst. Dansen blev skrevet på højden af den fauvistiske æstetik og legemliggør frigørelsen af traditionelle vestlige kunstneriske traditioner. Henri Matisses æstetiske valg til dette maleri forårsagede en reel skandale i kunstsaloner i 1910. Dristige nøgenhed og ru nuancer gav billedet en ekstraordinær karakter for den tid, hvilket i nogle seers øjne virkede barbarisk.

Matisse brugte kun tre farver til at skildre denne dans: blå, grøn og rød. I overensstemmelse med traditionelle Fauvist -farveforeninger skaber disse tre nuancer intens kontrast. Matisses mål var imidlertid ikke at chokere publikum. Tværtimod søgte han at forene mennesker med hinanden og med naturen. Som kunstneren sagde: "Det, jeg drømmer om, er en afbalanceret, ren og rolig kunst, der kan undgå problemer eller skuffelse."