Hvordan den russiske avantgardes Amazon erobrede Paris og videre: Natalia Goncharova

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Natalia Goncharova er en fremragende russisk kunstner, designer og forfatter. Hun blev berømt over hele verden takket være hendes lyse, saftige og ekstraordinære værker, der kombinerer flere stilarter: fra Fauvisme og kubisme til futurisme og art nouveau. Hun var også kendt for sine kostumer og scener til ballet og teater, som var slående i deres alsidighed og design, der var usædvanligt for disse tider.

I løbet af de første to årtier af det 20. århundrede absorberede russisk kunst nye stilarter og filosofi om vesteuropæisk kunst og flyttede til kulturens forkant. Goncharova og hendes mand Mikhail Larionov befandt sig med deres arbejde og bestræbelser på at organisere udstillinger og kreative teams i centrum for denne kunstneriske revolution, der gik forud for og ledsagede den politiske omvæltning i landet.

Natalia blev født i Nagaevo i det centrale Rusland. Goncharov -familien mistede deres formue baseret på hørproduktion i slutningen af 1700 -tallet. Den berømte digter Pushkin giftede sig med en af hendes forfædre, Natalia Goncharova, efter hvem hun blev opkaldt. Hendes far var arkitekt. Familien til Natalias mor, Belyaev -familien, fødte flere præster og var kendt som musikere.

I sine første år deltog Natalya i et gymnasium i Moskva. Og i en mere bevidst alder, da hun havde besluttet at blive kunstner, gik hun ind på School of Painting, Sculpture and Architecture (Moskva), hvor hun studerede skulptur med Pavel Trubetskoy, der arbejdede i stil med Auguste Rodin. Hun forlod college tre år senere, på trods af at hun vandt en sølvmedalje og ikke gennemførte en ti-årig studieperiode for pensum. Dette faldt sammen med hendes accept af maleri som hendes foretrukne udtryksmiddel.

1. Karriere og mand

I 1900 mødte Goncharova sin kommende mand, Mikhail Larionov. Han gik også på college, men malerafdelingen. Hendes beslutning om at begynde at male blev understøttet af Mikhail, hendes passion for lysets og farvens harmoni i fremtiden blev kunstnerens kendetegn.

Ligesom mange russiske kunstnere i sin tid var de første par år i det tyvende århundrede en periode med bekendtskab og accept af de stilarter, der udviklede sig i Vesteuropas hovedstæder. På det tidspunkt blev hun tiltrukket af impressionisme og divisionisme, stilarter forbundet henholdsvis med Monet og Seurat. Begge stilarter understregede ikke billedet af faste objekter, men optagelsen af lys (farve), der blev reflekteret fra objektet til øjet. Som et resultat var tegningen normalt løs, og der blev lagt vægt på farve samt malestrøg. Dette førte til en bevidsthed om maling, penselstrøg, tekstur og maleri på lærred. Disse to stilarter var afgørende for at frigøre kunst fra en rent repræsentativ karakter. Kunstnere begyndte at indse, at kunst er et æstetisk udtryk, inspireret af den fysiske verdens udseende, men ikke afhængig af den.

Engang organiserede den store russiske ballet impresario Diaghilev inkluderingen af malerisamlingen af Goncharova og Larionov i den russiske afdeling af efterårssalonen i Paris. Deres deltagelse i denne nyetablerede årlige udstilling af ny radikal kunst (i samme år 1906 blev den første gruppe Fauves præsenteret der) vidner om, at begge kunstnere blev betragtet som modeller for deres lands avantgarde-tendenser. I de næste ni år, før hendes emigration fra Rusland, deltog Natalia i en række vigtige udstillinger, hvoraf hun og Mikhail organiserede mange. I denne periode blev hun også præsenteret på post-impressionistisk udstilling i 1912 arrangeret af Roger Fry på Grafton Gallery i London samt på personlige udstillinger i Moskva og Skt. Petersborg og på en udstilling i Paul Guillaume Gallery i Paris med kataloget over den berømte kritiker Apollinaire.

2. distrikts stil

Det halve århundrede, der gik forud for starten på krigen, var en periode med hurtig udvikling af de fine kunstarter i Rusland. Natalia var i spidsen for denne bevægelse.

Overraskende blev tre forskellige retninger samtidigt manifesteret i hendes arbejde: regionalisme, neo-primitivisme og cubo-futurisme.

Den første af dem er den originale stil udtænkt af Mikhail og grundigt undersøgt af Natalia.

Districtisme var på det tidspunkt en af de helt abstrakte stilarter i vestlig kunst. Ligesom impressionismen koncentrerer regionalismen sig om lysstråler, der reflekteres fra objekter. Rummet på billedet af en stråling er ikke målbart, men er en atmosfære ladet med energi fra et uendeligt antal lysstråler, enten direkte fra solen, eller mere sandsynligt, stråler, der reflekterer frem og tilbage fra fysiske objekter omkring det. Det vejledende princip er rent æstetisk, idet farver vælges for deres harmoni eller visuelle effekt.

I mere end tre årtier har kunstnere været fascineret af tanken om at skabe ikke-figurativ kunst baseret på orkestrering af farve. Hvis musikken er fuldstændig abstrakt og på samme tid uendeligt udtryksfuld, kan der ikke være en kunst, der bruger farve (i stedet for lyd), der ville være lige så abstrakt og udtryksfuld.

I stedet for de fragmenterede, indbyrdes forbundne former, der findes i kubismen, er Cats -serien baseret på lange, skærende farvestrøg. Districtisme var en kortvarig stil, der nåede sin ende i 1914. Franz Marc, tilknyttet München Blaue Reiter (med hvem Natalia havde udstillet to år tidligere), beundrede hendes arbejde og skrev på en måde inspireret af distriktisme, muligvis på grund af hendes indflydelse.

3. Primitivismens stil

Uhæmmet og rastløs og søgte ny inspiration, stolede hun også stærkt på tidlige kubistiske malere som Pablo Picasso i nogen tid. Denne fase i hendes arbejde varede i flere år og dækkede hendes maleri, inspireret af den russiske tradition.

Men hendes illustrationer til flere poesibøger af Velimir Khlebnikov og Alexei Kruchenykh viste hendes hengivenhed for gamle russiske kunstformer som ikoner, religiøse kalkmalerier og træsnit. I 1913 erklærede hun dramatisk, at hun vendte sig væk fra Vesten og gav hende sympati for øst.

På en af hendes tidlige udstillinger blev primitivistiske og kubistiske malerier præsenteret, og på en senere udstilling, organiseret af hendes mand, blev mere end halvtreds værker af Natalia udstillet. Hun hentede inspiration til primitivisme fra russiske ikoner og folkekunst, ellers kendt som populære tryk. Den anden, senere udstilling blev opfattet som et bevidst brud med europæisk kunstnerisk indflydelse og oprettelsen af en uafhængig russisk skole for samtidskunst. Begivenheden viste sig at være kontroversiel, og censoren konfiskerede Natalias religiøst-tematiske værk "Evangelister", idet det betragtede det som blasfemisk at vise det på en udstilling kaldet "Æselets hale". Natalia og Mikhail har længe været forfulgt for deres værker og måden, de udtrykte sig på. Men selv i de senere værker af Natalia er indflydelsen fra russisk futurisme mærkbar. Oprindeligt fascineret af ikonemaleri og primitivisme af etnisk russisk folkekunst fik Natalia berømmelse i Rusland for sit futuristiske arbejde (hvoraf det ene var et maleri kaldet Cyklisten).

Natalia og Mikhail malede deres ansigter med hieroglyffer og blomster og gik på gaden som en del af en primitivistisk kunstnerisk bevægelse. Natalia selv var fra tid til anden ikke bange for at komme offentligt frem halvnøgen med symboler på brystet. Som ledere for Moskva -futuristerne afholdt de provokerende foredragsnætter i samme retning som deres italienske kolleger. Derudover skrev og illustrerede Natalia flere avantgarde-bøger.

Natalia har været medlem af Blue Rider avantgarde-gruppen fra den første dag i grundlæggelsen (1911). Fire år senere begyndte hun at udvikle balletkostumer og sæt i Genève. Og snart begyndte hun at arbejde med en række skitser til Diaghilevs ballet, men desværre blev balletten aldrig realiseret.

Et par år senere flyttede hun til Paris, hvor hun skabte en række sæt til Diaghilevs russiske balletter. Hun udstillede også på Salon d'Automne og deltog regelmæssigt i Salon des Tuileries og Salon of Independents.

Natalia og Mikhail samarbejdede om fire velgørende arrangementer i Moskva. De udviklede begge de fleste reklamematerialer til arrangementet.

4. Neo-primitivismes stil

Parallelt med rayonismen skrev Natalia i en stil, der nu kaldes neo-primitivisme. Det var et fænomen, der tidligere havde fundet sted i Frankrig og andre steder og ser ud til at være relateret til en ændring i politiske, sociale og kulturelle forhåbninger. Kombineret med demokratiseringen af politisk og social tankegang har der ofte været en tendens til at forsøge at opdage de nationale kulturs dybere karakter ved at henvende sig til traditionel folkekunst eller bondekunst for inspiration. På grund af sin families kirkelige baggrund og det faktum, at hun tilbragte sin ungdom på en landejendom, ville Natalia blive tiltrukket af traditionel religiøs og folkekunst som en del af hendes dannelsesoplevelse og som sine landsmænds billedkunst. Dette var den periode, hvor intelligentsia begyndte at se ikoner (russiske liturgiske billeder) som en vigtig national kulturarv. Den store Romanov -udstilling med ikoner begejstrede mange æstetisk følsomme mennesker.

Natalia har skrevet om religiøse temaer i en årrække og følte, at ikonernes intens religiøse betydning og betydning er et af de vigtigste mål for en kunstner at fange i sit arbejde. De rige farver, blændende dekorative effekter og ikonernes stærkt formaliserede og stiliserede natur har allerede inspireret hende til at arbejde.

Dette fik hende til at ty til en måde, der ikke var relateret til akademisk praksis. Udover at understrege de flade, dekorative kvaliteter syntes malingen nogle gange at være sprøjtet over overfladen eller blev påført hurtigt for en spontan effekt. Charmen og naiviteten, som tidligere blev sunget i Henri Rousseaus maleri, optrådte i den russiske kunstners arbejde, og som er meget vigtig for hende, blev lånt fra lokale kilder.

5. Kubofuturismens stil

Mellem 1913 og 1914 dukkede Cubo-Futurisme, aspekter af de dengang moderne stilarter af kubisme og futurisme, op i Natalias maleri. Kubisme var kendt af russiske kunstnere gennem publikationer, udstillinger og samlinger såsom Morozov- og Shchukin -samlingerne. Kubisme var ambivalent mod farve til fordel for en ny følelse af struktur-fragmentering og kohærens af form, hvilket resulterede i en ensartet animeret sammensætning, hvor forholdet mellem figur og jord elimineres.

Italiensk futurisme havde også en følge i Rusland i årene umiddelbart før Første Verdenskrig.

Hendes futurisme var ligesom italienernes fuld af farver. Følelserne af bevægelse blev forårsaget af rytmiske gentagelser af figurer eller linjer. Inddragelsen af farvede ord eller ordfragmenter, som om de var fra tegn og en del af det miljø, som personen passerede igennem, bidrog yderligere til denne opfattelse. Lydbølger blev også underforstået af rytmiske effekter og nogle gange ved brug af musikalsk notation.

6. De sidste leveår

Natalia tilbragte resten af sit liv i Paris, anerkendt som et vigtigt medlem af byens kunstneriske samfund. Hun fortsatte med at male, men hendes mest bemærkelsesværdige arbejde var inden for scenografi. På dette område blev både hun og Michael verdensstjerner. Natalia identificerede i stigende grad sit arbejde med Frankrig. I 1936 deltog hun og Mikhail i en vigtig international teatralkonkurrence, der blev afholdt i Milano. De foretrak at udstille deres arbejde i den franske sektion frem for den sovjetiske sektion, og da de vandt sølvmedaljen, var det Frankrig, der gik til dem.

Efter invasionen af Frankrig af Adolf Hitler i foråret 1940 befandt Natalia og Mikhail sig under tysk besættelse. I de svære år, der fulgte, lykkedes det dem begge at fortsætte deres karriere i teatret. Derefter mindede en udstilling om deres partiske malerier i Paris offentligheden om deres fremtrædende rolle i udviklingen af samtidskunst ved århundredeskiftet. Som nogle har argumenteret, overgik de to kunstnere bevidst nogle af deres værker, nogle gange med mere end et årti, for at styrke deres ry som banebrydende kunstnere.

Mikhail fik et slagtilfælde, og ægtefællernes økonomiske situation, som aldrig havde været særlig behagelig, blev endnu mere usikker. De overlevede delvist ved at sælge deres tidlige malerier. Natalia led også mange fysiske lidelser, herunder en alvorlig form for gigt, hvilket gjorde det umuligt at trække på et staffeli. Hun fortsatte med at demonstrere sin dedikation til arbejdet og lagde lærredet foran hende i en jævn position for at fortsætte med at manipulere børsten.

Natalia gjorde sit sidste forsøg på teaterdesign i 57. Det bestod af kostumer og sæt til en række balletter i Monte Carlo. Et år senere holdt hun den sidste udstilling af sit maleri i Paris, der viste omkring tyve lærreder inspireret af den russiske opsendelse af den sputnikiske rumsatellit.

Parret var stadig plaget af økonomiske problemer. Kun salget af en væsentlig del af biblioteket og ægtefællernes værker til Victoria and Albert Museum i London var med til at opretholde deres solvens.

Natalia døde af kræft i Paris. På hendes gravsten stod der ganske enkelt, at hun var kunstner og maler. Mikhails død kom kort tid efter. Han blev begravet ved siden af hende med den samme indskrift på sin gravsten.

Fortsætter temaet maleri - seks verdensledere, der blev berømt ikke kun inden for politiksåvel som i kunst.