9 mesterværker af strålende kunstnere, der inspirerede store modedesignere og skabte unikke samlinger

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-16 00:01

Gennem historien er mode og kunst gået hånd i hånd for at skabe en god kombination. Mange modedesignere har lånt ideer fra kunstneriske bevægelser til deres samlinger, hvilket har gjort det muligt at fortolke mode som en kunstform, der hovedsageligt tjener til at udtrykke ideer og visioner. Påvirket af dette har nogle internationalt anerkendte modedesignere skabt fremragende kollektioner baseret på de kunstneriske bevægelser i det 20. århundrede.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne blev født i det nordlige centrale Frankrig i 1876 og var kendt som "stilens gudinde og skrædderdronning." Under sit ophold i Rom var hun fascineret af de græske og romerske civilisationers kunst og kultur og blev inspireret af gamle gudinder og statuer. Baseret på disse kunstværker formede hun æstetikken i hendes stil og kombinerede elementer fra græsk skulptur og arkitektur for at give en ny dimension til den kvindelige krop. Med sin dygtighed i drapering og skrå kjoler revolutionerede Madeleine moderne mode. Hun konsulterede ofte kunstværker som The Winged Victory of Samothrace til sine kunstsamlinger.

Lighederne mellem mesterværket i den hellenistiske kunst og Vionnes muse er slående. Dyb drapering af stoffet i stil med den græske chiton skaber lodrette striber af lys, der strømmer ned ad figuren. Skulpturen blev skabt til hyldest til Nike, den græske sejrgudinde, og beundres for sin realistiske fremstilling af bevægelse. Den flydende afdækning af Vionnet -designet minder om bevægelsen af bølgende stof, der klæber til Nikes krop. Kjoler kan være som levende væsener med en sjæl, som en krop. Ligesom Winged Victory of Samothrace skabte Madeleine kjoler, der vækker den menneskelige essens gemt dybt inde. Klassicisme, både en æstetisk filosofi og en designfilosofi, gav Vionne mulighed for at formidle sin vision i geometrisk harmoni.

Hun var også fascineret af samtidskunstbevægelser som kubisme. Madeleine begyndte at indarbejde geometriske former i sine kreationer og vedtog en anden metode til at skære dem kaldet skråskæring. Selvfølgelig hævdede Vionne aldrig at have opfundet det skrå snit, men kun udvidet dets anvendelse. Da kvinder gjorde store fremskridt i kampen for deres rettigheder i begyndelsen af det tyvende århundrede, forsvarede Madeleine deres frihed ved at afskaffe det langvarige victorianske korset fra kvinders hverdagstøj. Derfor blev hun et symbol på kvindens frigørelse fra bustierens begrænsning og frigav i stedet nye, lettere stoffer, der bogstaveligt talt flød på kvinders kroppe.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli er Valentinos chefdesigner og er meget tiltrukket af middelalderens religiøse værker. Udgangspunktet for inspiration for ham er overgangsøjeblikket fra middelalderen til den nordlige renæssance. Han samarbejdede med Zandra Rhodes, og sammen udviklede de en inspirerende samling i foråret 2017. Piccioli ønskede at forbinde punk -kulturen i slutningen af 70'erne med humanisme og middelalderkunst, så han vendte tilbage til sine rødder og renæssancen og fandt inspiration i Hieronymus Boschs maleri The Garden of Earthly Delights.

Den berømte hollandske maler var en af de mest fremtrædende repræsentanter for den nordlige renæssance i det 16. århundrede. I "Garden of Earthly Delights", som Bosch malede før reformationen, ønskede kunstneren at skildre paradiset og skabelsen af menneskeheden, den første fristelse fra Adam og Eva samt Helvede, der ventede syndere. I midterruden ser det ud til, at folk tilfredsstiller deres appetit i en verden af glæde. Boschs ikonografi skiller sig ud med sin originalitet og sensualitet. Hele billedet fortolkes som en allegori om synd.

I modeverdenen blev maleriet populært, da forskellige modedesignere var fascineret af dets motiver. Blanding af epoker og æstetik genfortolkede Piccioli Boschs symboler med flyvende gennemsigtige kjoler, mens Rhodes skabte romantiske udskrifter og broderede mønstre, der lidt lignede det originale kunstværk. Farver var bestemt en del af det budskab, designerne ønskede at formidle. Således er samlingen af flyvende drømmende kjoler baseret på den nordlige farvepalet af æblegrønne, lyserøde og blå robinæg.

3. Dolce og Gabbana

Peter Paul Rubens malede mesterligt kvinder med kærlighed, læring og flid. Han præsenterede sin "Venus foran spejlet" som det øverste symbol på skønhed. Peter portrætterede udelukkende hendes lyse ansigt og blonde hår, som står i kontrast til den mørkhudede stuepige. Spejlet er et absolut symbol på skønhed, som indrammer en kvinde som et portræt, og samtidig subtilt understreger figurens nøgenhed. Det spejl, Amor holder for gudinden, viser afspejling af Venus som en repræsentation af erotisk tiltrækning og lyst. Rubens, der var en af grundlæggerne af barok kunst, og hans koncept om "farver over linjer" påvirkede flere modedesignere, herunder Dolce & Gabbana. Barokstilen afveg fra renæssancens ånd, opgav sindsro og slankhed og søgte i stedet elegance, spænding og bevægelse.

Modedesignere Domenico Dolce og Stefano Gabbana ønskede at skabe en kampagne, der ville fejre den sensuelle såvel som den romantiske side af kvindelig skønhed. Peter Paul Rubens var den mest egnede inspirationskilde. Oprettelsen af kultduoen var i stor harmoni med den flamske kunstners kunst. I denne samling poserede modellerne med stor adel og så ud som om de lige var trådt ud af et af Rubens malerier. Dekorationerne blev designet til at ligne barokspejle og broderedetaljer. Figurernes yndefuldhed og pastelfarvepaletten blev smukt understreget af den brokaderosa kjole. Valget af modedesignere til at inkludere en række forskellige modeller bidrog yderligere til kropstypen i den æra. De kurvede linjer, som Dolce og Gabbana brugte, stred imod forskelsbehandling af forskellige kropstyper i modeindustrien.

Dolce og Gabbana Women's Fall 2012 -kollektionen viser mange af funktionerne i italiensk barokarkitektur. Denne samling matcher perfekt de rigt dekorerede egenskaber ved den sicilianske barokstil. Designerne fokuserede på barok arkitektur, som det ses i de katolske kirker på Sicilien. Referencepunktet var maleriet af Rubens "Portræt af Anna af Østrig". I sit kongelige portræt er Anna af Østrig afbildet på spansk vis. Annas sorte kjole er dekoreret med lodrette striber af grønt broderi og gulddetaljer. Kunstnerisk designede kjoler og kapper fremstillet af luksuriøse tekstiler som blonder og brokade er blevet hovedelementet i Dolce og Gabbana -showet, der erobrede verden med deres kreativitet.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga kan kaldes en sand mester, der reformerede kvinders mode i det tyvende århundrede. Født i en lille landsby i Spanien, bragte han essensen af spansk kunsthistorie ind i sine samtidige projekter. I hele sin karriere var Balenciaga imponeret over den spanske renæssance. Han søgte ofte inspiration fra den spanske kongefamilie og præster. Modedesigneren forvandlede æraens kirkegenstande og klosterklæder til bærbare modeværker.

En af hans store inspirationer var manerer El Greco, også kendt som Dominikos Theotokopoulos. Når man ser på kardinal El Greco Fernando Niño de Guevara, kan man se lighederne mellem kardinalens kappe og Balenciagas design. Maleriet skildrer den spanske kardinal Fernando Niño de Guevara fra El Grecos tid i Toledo. El Grecos ideer var lånt fra neoplatonismen i den italienske renæssance, og i dette portræt præsenterer han kardinalen som et symbol på Guds nåde. Manérismen er til stede i hele billedet. Dette er mærkbart i en aflang figur med et lille hoved, yndefulde, men bizarre lemmer, intense farver og en afvisning af klassiske mål og proportioner.

Balenciagas passion for historisk tøj er tydelig i denne ekstravagante aftenfrakke fra hans samling fra 1954. Han havde visionen og evnen til at opfinde former på moderne måde. Den overdrevne krave i denne frakke afspejler den posede stil på en kardinalkappe. Den røde farve på kardinalens tøj symboliserer blod og hans vilje til at dø for troen. Den pulserende røde blev af den berømte designer betragtet som ekstraordinær, da han ofte foretrak dristige farvekombinationer og levende nuancer. Hans store innovation var eliminering af taljen og introduktionen af flydende linjer, enkle snit og trekvartærmer. Ved at gøre dette revolutionerede Balenciaga kvinders mode.

Designeren introducerede også armbåndslange ærmer, der tillod kvinder at vise deres smykker. I 1960'erne, med den gradvise introduktion af kvinder i arbejdsbranchen, havde Balenciaga en idé om at give trøst, frihed og funktionalitet til de kvinder, han klædte på. Han promoverede løse, behagelige kjoler, der stod i kontrast til datidens formformede silhuetter.

5. Alexander McQueen

Østrigsk kunstner, symbolisme og grundlægger af den wienske løsrivelsesbevægelse, Gustav Klimt lagde grundlaget for historien om det 20. århundredes kunst. Hans malerier og kunstneriske æstetik har længe inspireret modedesignere. Andre som Aquilano Rimondi, L'Rene Scott og Christian Dior, designeren, der direkte henviste til Klimt, var Alexander McQueen. I Resort Spring / Summer 2013 -kollektionen har han designet unikke stykker, der synes at være inspireret af kunstnerens arbejde. Når man ser på en flydende sort kjole med et gentagende guldmønster på toppen - kan et bestemt billede komme til at tænke. McQueen har brugt abstrakte, geometriske og mosaikdesigner i bronze- og guldtoner og inkorporeret dem i hans designs.

I 1905 malede Gustav Klimt maleriet "Omfavnelsen", der skildrede et par fanget i en blid omfavnelse, som blev et symbol på kærlighed. Den østrigske kunstner er kendt for sine guldmalerier samt den perfekte kombination af abstraktion og farve, der findes i disse værker. Alle mosaikker har rige gyldne toner med kalejdoskopiske eller naturlige udsmykninger, der har haft stor indflydelse på mode. Dette maleri er slående på grund af de kontrasterende geometriske former mellem de to elskendes tøj. Herretøjet består af sorte, hvide og grå firkanter, mens damekjolen er dekoreret med ovale cirkler og blomstermotiver. Således illustrerer Klimt mesterligt forskellen mellem maskulinitet og femininitet. Alexander adopterede noget lignende til sit tøj.

6. Christian Dior

Grundlæggeren af impressionismen og en af de største franske malere i kunsthistorien, Claude Monet efterlod sig en stor kunstnerisk arv. Ved at bruge sit hjem og sin have i Giverny til inspiration fangede Monet det naturlige landskab i sine malerier. Især formåede han i maleriet "Kunstnerens have i Giverny" at manipulere det naturlige landskab i overensstemmelse med hans behov. Kontrasten mellem det brune snavs og den blomstrende farve af blomsterne supplerer scenen. Den berømte impressionist valgte ofte irisblomsten på grund af sin lilla farve for at skabe effekten af en lys sol. Dette maleri er fuld af liv, da blomster blomstrer og hilser og omfavner foråret. Rose og lilla kronblade, iris og jasmin er en del af et farverigt paradis afbildet på hvidt lærred.

På samme måde satte Christian Dior, en pioner inden for fransk mode, et stort præg på modeverdenen, der stadig mærkes i dag. I 1949 designede han en haute couture kollektion til foråret / sommersæsonen. Et af højdepunkterne i denne udstilling var den ikoniske Dior -kjole, fuldstændig broderet med blomsterblade i forskellige nuancer af pink og lilla. Dior illustrerede perfekt de to kunst- og modeverdener og efterlignede Monets æstetik i denne funktionelle kjole. Han tilbragte meget tid på landet og malede sine samlinger i sin have i Granville, som Monet gjorde. Således definerede han den elegante Dior -stil ved at inkorporere Monets farvepalet og blomstermønstre i hans kreationer.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian var en af de første kunstnere, der skabte abstrakt kunst i det 20. århundrede. Han blev født i Holland i 1872 og grundlagde en hel kunstbevægelse ved navn De Stijl. Bevægelsens mål var at forene samtidskunst og liv. Denne stil, også kendt som neoplastik, var en form for abstrakt kunst, hvor brugen af kun geometriske principper og primære farver som rød, blå og gul blev kombineret med neutrale (sort, grå og hvid). Petes innovative stil fra begyndelsen af 1900'erne tvang modedesignere til at gengive denne rene form for abstrakt kunst. Det bedste eksempel på denne malerstil er komposition med røde, blå og gule farver.

En kunstelsker, den franske modedesigner Yves Saint Laurent inkorporerede Mondrians malerier i sine haute couture -kreationer. Han blev først inspireret af Peters arbejde, da han læste en bog om kunstnerens liv, som hans mor gav ham til jul. Designeren udtrykte sin påskønnelse over for kunstneren i sin efterårskollektion fra 1965, kendt som Mondrian -samlingen. Inspireret af kunstnerens geometriske linjer og dristige farver præsenterede han seks cocktailkjoler, der fejrede hans ikoniske stil og tressernes æra generelt. Hver af Mondrians kjoler var lidt forskellige, men de delte alle en enkel A-form og en ærmeløs knælængde, der var perfekt til enhver kropstype.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, født i 1890 i en aristokratisk familie i Rom, udtrykte snart sin kærlighed til modeverdenen. Hun begyndte at udvikle sin revolutionære stil, inspireret af futurisme, dada og surrealisme. Efterhånden som hendes karriere skred frem, interagerede hun med berømte surrealister og dadaister som Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp og Jean Cocteau. Hun samarbejdede endda med den spanske kunstner Salvador Dali.

Et af de største samarbejder i modehistorien var samarbejdet mellem Dali og Elsa Schiaparelli. Denne kjole blev skabt med Salvador Dali som en del af Schiaparellis cirkussamling i sommeren 1938. Kjolen henviser til maleriet af Dali, hvor han skildrede kvinder med forvrængede kropsproportioner.

For surrealistiske kunstnere var søgen efter den ideelle kvinde dømt til at mislykkes, da idealet kun fandtes i deres fantasi, ikke i virkeligheden. Det var dog ikke Dalis hensigt at skildre kvinder realistisk, så deres kroppe er slet ikke æstetiske. Schiaparelli ønskede at eksperimentere med dette spil om at skjule og afsløre kroppen og skabe en illusion om sårbarhed og usikkerhed. Kjolen med illusionen om tårer var lavet af lyseblå silkecrep og hyldede Salvador og hans uforholdsmæssige kvinder.

9. Gianni Versace

Popartens æra var nok den mest indflydelsesrige periode for modedesignere og kunstnere i kunsthistorien. Andy Warhol var banebrydende for blandingen af popkultur og high fashion, hvilket gjorde ham til et ikonisk symbol på popkunstbevægelsen. I tresserne begyndte Warhol at øve sin signaturteknik kendt som silketryk.

Et af hans tidligste og utvivlsomt hans mest berømte værker var Marilyn Diptych. Til dette stykke hentede han inspiration ikke kun fra popkulturen, men også fra kunsthistorie og abstrakte ekspressionistiske kunstnere. Andy fangede Marilyn Monroes to verdener, det sociale liv i en Hollywood -stjerne og den tragiske virkelighed for Norma Jeane, en kvinde, der kæmpede med depression og afhængighed. Diptykon forstærker vibrationen til venstre, mens den til højre forsvinder i mørke og uklarhed. I et forsøg på at repræsentere et forbrugersamfund og materialisme fremstillede han individer som produkter frem for mennesker.

Den italienske designer Gianni Versace havde et mangeårigt venskab med Andy Warhol. Begge mænd var fascineret af populærkulturen. For at ære Warhol dedikerede Versace sin forår / sommer kollektion fra 1991 til ham. En af kjolerne havde Warhol -udskrifter med Marilyn Monroe. Han inkorporerede de pulserende silkeportrætter af Marilyn og James Dean fra 1960'erne i nederdele og maxikjoler.

Og i forlængelse af emnet mode, skønhed og ekstraordinære ideer, læs også om hvordan moderne kunstnere har gjort makeup til et rigtigt kunstværk.